戏剧课程

本课程将为原创戏剧新作品的发展提供一个关键和支持性的论坛，重点是通过多种方式进行研究，包括历史和艺术研究、研讨会、即兴创作、实验和对话。每个学生将专注于在一整年的课程中创造一个原创项目——一个独立的项目。在课堂上，学生将展示他们正在进行的作品。在指导期间，学生和教师将开会讨论这些展览以及可能出现的任何相关的艺术和实际问题。这门课每周上两次，是所有戏剧专业二年级研究生的必修课程。

本课程由萨拉劳伦斯学院的一系列教师和客座艺术家轮番授课，重点是培养在戏剧中创作和发展新作品所需的各种技巧。集体表演、动作、设计和制作、剧本创作、设计作品和音乐表演都是探索的。该课程是研讨会、大师班和公开排练的论坛，关注关键技能的发展。此外，研究生实验室的学生每个月都要为萨拉·劳伦斯社区创作一部新的戏剧作品。这些表演可能包括研究生和本科生。所有戏剧专业研究生都必须参加。这个班每周上一次课。

在这个过程中，纯粹的创作冲动支配着舞台写作的过程——我们把自己写进了未知的领域。学生们被鼓励抛开已经接受的和先入为主的关于写戏剧或成为一个作家意味着什么，以及戏剧“应该”或“应该”是什么样子的想法，以找到他们自己真实的观察和创作的方式。换句话说，解除植根于最终产品概念的理性和判断思维，赋予混乱的、空间的、联想的过程以力量，使我们与直接的经验、印象和对现实的感知进行直接的正式接触。强调细节、质感和连续性将比更广泛接受的、可靠的、但有时限制了有意义的现场表演中亚里士多德的结构和连续性的美德更受青睐。阅读材料将根据学生的思维进行调整。我们可能会看到Gertrude Stein, George Steiner, Mac Wellman, Maria Irene Fornes, Adrienne Kennedy, Mircea Eliade, Kristen Kosmas, Richard Maxwell和Roland Barthes的理论和创造性著作，以及跨越视觉艺术领域的作品和物理学家David Bohm和F. David Peat的激进科学思想。本课程将以工作坊的方式进行，强调过程的跟踪和记录。

作为艺术家，我们如何与一个加速的、分裂的、充满技术的世界打交道?作为创作者，我们如何在当前的经济压力下创作作品?“当代实践”是一门为期一年的课程，主要关注处理这些问题的艺术家和思想家，并观察我们如何将实践置于这一领域。学生将研究表演护理、当代编舞、投机性戏剧、沉浸式戏剧、共同存在、表演歌舞表演、后数字策略、社会参与艺术和混合现实表演等领域的当前和新兴实践。课程将围绕每周阅读/讨论进行。通过实地研究、具体化的实验室和创造性/专业发展，我们将建立一套技能、网络和知识库，以阐明和支持我们的工作，并与合作者、组织和观众进行交流。这个班每周上一次课。

这门课每周上一次，是所有戏剧专业二年级研究生的必修课程。

通过实验舞蹈-戏剧实践的镜头，本课程提出戏剧作为一个容器，一个人自己创造的欲望，需要，身体和它所属的更大的社区的现实。本课程以关怀政治为中心，探索即兴创作和基于身体的探究——包括但不限于动作、躯体学、声音、歌曲、口头和书面文字，以及原型体现。通过练习这些形式，参与者将设计出他们自己的独奏表演实践;创作乐谱、文本或作文;互相合作，互相指导，互相创造。我们的研究将考虑如何从身体之外收集和整合“材料”，以便进一步将跨学科应用为创作的力量，同时注意身体对这些材料的身体反应，以及我们在考虑挪用时共同承担的特殊责任。这些材料的捕获将包括两到三个在各种技术平台上进行实验的讲习班，从我们的环境中收集发现的声音和语言(课程的一些方面将包括在上课时间安全走出“工作室”)，以及学生创造和分享他们自己的收集方法。小组讨论将为我们使用的所有术语提供批判性对话的空间，课程将包括支持性阅读，以说明这些实践在我们当代环境中的优先地位。

本课程将从探索单口喜剧的经典结构开始。设置和打拳、表演和强化文字游戏的概念将被采用，以及使用你的过去、新闻和当前的社会环境创建和成为喜剧角色的技术，以制作一个喜剧例行程序。发现对观众来说明显有趣的东西是喜剧艺术家的工作。第一学期的主要目标是创造性的喜剧思维和你对周围世界的个人观点。我们还将通过亨利·柏格森(哲学家)、约翰·赖特(导演)和克里斯托弗·弗莱(剧作家)的作品来学习喜剧理论。第二学期将通过即兴技巧、长篇即兴游戏(Harold)、喜剧小品写作和小组工作的表演技巧，以及锻炼艺术家在合作小组环境中的自由和自信来进行合作。当他们一起创作、表演和创造场景时，整个团队将学会信任自发的反应和他们自己的喜剧疯狂。在第二学期结束时，将会有一场正式的喜剧表演。

这个班是演员的实验室。它是为那些准备好寻找全面参与表演步骤的表演者设计的。在第一学期，我们将探索激发每个演员想象力的角色和独白。在分析完文本，定义图像，并探索演员的情感选择后，我们将为试镜自录我们的作品。第二学期将专注于现场工作:用于发展与你的现场搭档加强联系的技术，倾听的重要性，并在排练室中找到你的冲动。我们将观察德克兰·唐纳兰的工作并阅读他的理论行为人和目标和Stephen Wangh心灵的杂技演员．

即兴表演加强自发的想象;它是创造性思维的运动。席勒写道，“思想之门的守望者”过于仔细地审视各种思想。他相信，在创造性的头脑中，“智力已经把它的看守者从大门中撤出，思想杂乱地涌进来——只有这样，它才会审视和检查大众。”体验这种创造性思维是第一学期大部分练习的重点。这些即兴创作将培养艺术家和学生的自由和自信。席勒还说:“没有创造力的人只是对所有真正的创造者都会有的短暂的疯狂感到羞耻。”第一学期的目标是打开这些创造性思维，训练艺术家相信自发的反应和这种转瞬即逝的疯狂。在这门课上，我们将发展一些场景和情境，提高你的发明能力，给你身体上的自由，并在你的工作中提高情感的真实性。我们将创造独白和角色的时刻; exploring exercises for creating a strong community in a classroom, youth center, town hall, or work environment; and collaborating on ideas for pitching projects. For actors and directors, we will practice techniques for film improvisations, TV commercials, and theatre auditions to develop the artist’s range. For non-theatre students, we will be focusing on confidence and trust in their original ideas. Any performance—whether experimental, classical, or in a business environment—begins with the artist’s own personal experience. Whether you are collaborating with a start-up team, giving a speech to a community, or acting on stage, the spontaneous moment is often the most compelling.

《破解密码》是一种具体的、文本驱动的表演方法，它为最重要的表演提供了一个背景，基于一种分析戏剧和确定角色行为的方式。学生将表演当代戏剧和改编的场景。对演员和导演都开放。

那些根植于莎士比亚表演传统的演员们发现自己拥有一套技能，使他们能够成功地在各种文本和一系列的表演形式中工作。这门课的目标是学习识别、个性化和体现莎士比亚语言的结构元素，将其作为赋予人物生命的主要手段。学生们将学习莎士比亚戏剧的一个有代表性的圆弧，以及十四行诗。

表演和音乐故事可以改变我们的社区，远远超出发生的房间。从主流的百老汇巨作到亲密的前卫实验，创造性的表演具有团结、鼓舞和治愈的力量。我们如何利用我们的创造力来面对我们周围世界的挑战性问题?通过表演技巧、音乐剧、案例研究和研究我们自己的想法，我们将发现在校园内外创建社区的新方法。

在这门理论和实践课上，学生将学习主要表演方法的社会历史背景，如布莱希特、迈耶霍尔德、斯坦尼斯拉夫斯基、斯特拉·阿德勒和哈根，然后参加这些方法的研讨会。通过一系列练习和各种表演技巧，学生将探索戏剧中表演、创造性表达和合作的基本要素。这些练习将包括声音和身体热身、放松、注意力集中、感官意识、倾听、沟通、团队合作和自发性。参与者将学习各种方法来创造一个角色，并通过声音、身体和想象来表达一个人的情感。技能将发展为一个整体的创造，并与人、物体和地方的关系工作。最终，通过课堂现场展示，表演学生将努力传达重要的故事、想法、情感和发人深思的问题，这些问题反映或挑战了人性。我们可以从他们的作品中学习的一些剧作家包括:萨拉·鲁尔、特丽莎·雷贝克、玛丽亚·艾琳·福恩斯、苏珊·洛里·帕克斯、让·保罗·萨特、尤金·艾里斯科、年轻的简·李、乔斯林·比奥、布兰登·雅各布斯-詹金斯、托丽·桑普森、查理·埃文·辛普森、塞缪尔·贝克特、奥斯卡·王尔德、让·热内、林恩·诺塔奇、卡托里·霍尔、阿托尔·富加德、约翰·卡尼、乔斯林·比奥和杰基·西布莱斯·德鲁里。

我们将用各种风格的流行音乐、戏剧音乐、歌舞表演和原创作品的歌曲来探索演员的表演，强调与观众的沟通和材料的选择。动态的声音解释和风格也将被检查。学生每周在课堂上表演新的或回归的材料，并与音乐总监安排课外时间来安排和排练他们的材料。选修这门课程的学生也有优先安排在音乐项目的教师的声乐课程和注册亚历山大技术班或他们选择的其他运动课程。

这种以剧本为基础的表演方法源于基尔罗伊夫妇的作品和目标，“一群剧作家……他们走到一起，不再谈论戏剧中的性别平等，而是开始采取行动。”表演专业的学生将表演由女性、酷儿和跨性别作家以各种风格创作的特定场景。学生还将学习戏剧的大背景，观看电影和纪录片，阅读和讨论有关戏剧对塑造我们世界的事件的反应的文章和戏剧。《基罗伊斯》讲述的是看待戏剧的一种方式:“我们制造麻烦。和戏剧。”出演基罗伊家族对任何身份的演员都开放。

本课程将向学生介绍舞台和银幕亲密训练的语言、过程和最佳实践。课程将每周举行一次，在此期间，学生将参与术语和理论的讨论，学习接近场景工作或本质上亲密的材料的基础知识，并合作模拟艺术场景，在那里可以制定和评估最佳实践。学期结束时，学生将通过文本、场景或分解练习解决亲密关系编舞挑战的方法。

3D戏剧是一种揭示艺术家、素材/主题和制作时刻之间联系的机制，并生成反映这种独特融合的形式。在本课程中，学生将围绕他们实践的中心问题/兴趣、他们的目的感以及他们与观众的关系创建一份艺术家陈述。每个学生将选择一份原始材料，使他或她能够从三维角度探索这些问题和关系。课程将分为理论阅读/讨论和工作室工作，每个学生将创建一系列的表演迭代。在第一学期，我们将使用Andrew Simonet的过程创建艺术家声明从以艺术家的身份生活和雅克Ranciere解放的观众思考艺术家与观众的关系。Ideas-Arrangements-Effects，由社会干预设计工作室设计，将用来创建一个框架来讨论和处理工作室工作。在工作室里，我们将通过声音、光线、投影、服装、物体、文本和任务等跨学科的工作，努力使“新一代的想法具有操作性”(理查德·福尔曼)。在第二学期，学生将在选择阅读材料和领导与自己的研究相关的理论文本的讨论方面承担更多的责任，以产生更大的理解，并创建一个艺术家社区，他们可以通过合作、倾听和建设性的批评来支持和挑战彼此。

本课程探讨合奏和合作创作表演创作的历史、方法和未来，重点关注数字和后互联网时代的新技能和概念。在对历史设计公司、艺术家、概念和策略的概述之后，我们将开发在实验室环境中使用数字和后互联网表现的正式方面创作作品的技能集和框架。其中包括数字时间框架;化身和双重事件;恐怖谷中的具象策略和表征策略分期数字工具、接口和结构;互联互通、政治和经济方面;post-internet物质性;以及使用代码来生成和控制文本的表现和创建。

本课程将探讨当代剧作家的作品。学生将选择两个剧本，我们将用第一学期的时间准备这些作品。每个学生都可以选择表演、导演或设计。演员将定义他们的角色的旅程，发展形象，潜台词和角色的历史。导演和设计师将使用视觉艺术、视频、草图和其他书面文本来发展他们的个人概念。所有的学生将研究并改编他们选择的剧本。我们将沉浸在这些戏剧的世界中，体验一个戏剧艺术家如何为戏剧创作做好充分准备。第二学期将专注于表演和制作。导演和设计师将选择戏剧的部分，我们将与演员一起演出。我们将在年底排练并设计一个实习作品。 The plays will be chosen from current American playwrights, such as Brandon Jacobs-Jenkins, Annie Baker, Lynn Nott age, David Admit, Anne Washburn, Sarah Ruhl, Samuel Hunter, Satori Hall. Adam Rap, and Robert Asking. These writers have all created “bold works that have set the scene for 21st-century actors, giving voice to the modern experience,” according to《纽约时报》．他们是当今美国戏剧的重要组成部分，在塑造和发展演员、导演和设计师的作品方面具有影响力。

这个全面的、循序渐进的课程专注于发展年轻演员需要的技能和工具，以便在快节奏的电影和电视世界中工作，同时也学习如何编写、导演、编辑和制作他/她自己的银幕作品。第一学期的重点是银幕表演和镜头试镜(当面和录音)。通过密集的场景研究和剧本分析，我们将扩大每个演员的情感，智力，身体和声音的表达范围的镜头。重点还将放在演员所需的技术技能上，以在“框架内”提供最强的表演，同时保持高水平的自发性和真实性。学生将表演电影和电视剧本中指定的和自己选择的场景。临近期末时，重点将转向镜头前试镜，学生们将学习现场试镜和自录镜头试镜的注意事项。在第二学期，学生将学习电影制作的基础知识，使他们能够在不受大量预算和工作人员限制的情况下创作自己的作品。课程将涵盖编剧、摄影、导演和编辑的基本知识，以及每周的写作、阅读、观看和拍摄作业。学生将带着编辑过的作业录像结束课程，并明确下一步的步骤。对于这门课程，学生必须有自己的或可以访问的iPhone、iPad或其他相机和装有编辑软件的电脑(如iMovie、DaVinci Resolve、Final Cut Pro、Adobe Premiere)。

借鉴各种木偶戏技术和雅克·勒科克的实践，我们将探索和实验木偶戏和表演。在整个课程中，我们将合作小组创造木偶表演，包括建造木偶和设计作品，利用木偶和对象。我们将探索大型游行风格的木偶;木偶作为对象和材料;木偶表演空间;以及木偶师/表演者与木偶的角色/关系。

《Shosholoza》是一首代表南非团结的歌曲。历史上，约翰内斯堡的移民矿工们唱这首歌是为了振奋精神，保持工作节奏，在工作中取得进步。Shosholoza作为一种文化能指指向了协作过程的理念。Shosholoza以呼唤和回应的形式演唱，任何时候，它都会涉及和暗示房间里的任何人。这门课是关于学习如何成为富有同情心的合作者，在创作过程中给予和占有空间。学生将被分配任务，旨在培养工作空间的慷慨，同时开发，执行和设计的项目，在整个一年的小组。

本课程源于上学期新音乐剧实验室向远程学习过渡期间的最后几个月，被设计成与远程学习一样适合真人学习。该课程教授一种独特的音乐剧制作方法，在制作欧比奖和托尼奖音乐剧期间形成，通过奇怪．这种方法把歌曲，而不是故事，当作一场演出的种子。学生们被教导要从他们的歌曲中虚构出故事，而不是把歌曲和一个已经存在的故事绑在一起。作者还强调了个人传记作为素材与虚构小说相比的重要性，同时也强调了个人表演和视频的使用。通过对歌曲创作过程的去神秘化来强调当下的创作，让学生们受到启发和激励，用更多的时间来创作，而不是盯着屏幕。学校会定期给学生写歌的提示，并邀请他们离开屏幕，创作从一首诗到一首完整的歌曲，以及独奏片段或视频的任何内容。在学期结束时，学生们将用他们所写的所有歌曲制作一个最终的表演。学生将学习技巧，将歌曲创作的“魔力”转化为任何人都可以使用的一种反射性的交流行为，无论是否有歌曲创作经验。课程将教授歌曲创作的基础知识，以及介绍各种音乐软件应用程序、视频编辑和将卧室和地下室变成表演空间的DIY方法。

本课程是剧场声音设计的入门课程，探讨了声音理论、基本设计原理、编辑和播放软件、内容创作和基本系统设计。本课程考察了视频和声音在戏剧、舞蹈和跨学科形式中的功能和执行。在演奏软件中的采样、非线性编辑和设计序列的练习将为学生提供在演奏中执行声音设计所需的基本工具。

本课程是剧场视频设计的入门课程，探讨了声音理论、基本设计原理、编辑和播放软件、内容创作和基本系统设计。本课程考察了视频和声音在戏剧、舞蹈和跨学科形式中的功能和执行。在表演软件中的采样、非线性编辑和设计序列的练习将为学生提供在表演中执行投影设计所需的基本工具。

声音设计项目是一个会议类，以支持SLC制作的学期项目。教师将指导和指导学生通过设计和生产过程。我们会在生产期间每周开一次会。工作人员电话和技术访问也将安排在每个项目的基础上。

视频设计项目是一个会议类，以支持SLC制作的学期项目。教师将指导和指导学生通过设计和生产过程。我们会在生产期间每周开一次会。工作人员电话和技术访问也将安排在每个项目的基础上。

本课程介绍服装设计的基础知识，涵盖各种概念和思想:服装的语言、脚本分析、设计元素、色彩理论、时尚史和人物绘画。我们将研究各种理论设计项目，同时探索如何发展一个设计概念。本课程还包括各种设计室缝纫技术，以及衣柜技术员的基本职责。学生将熟悉服装商店和衣柜区域的所有各种工具和设备。学生还将有机会协助服装设计专业的学生制作服装，以加深他们对服装设计过程的理解。不需要之前的经验;欢迎各种类型的演员、导演、编舞、舞蹈家和戏剧制作人。

本课程扩展了《服装设计1》中提出的思想和概念，以磨练和提高学生现有的技能。学生将通过研究和实现各种理论设计项目的设计概念，进一步发展自己的设计和施工能力，并通过课堂讨论和演示，培养自己的沟通能力。学生还将有机会在服装设计专业学生的协助下为部门制作设计服装。这个设计机会允许一个独特的学习经验，因为学生与导演和创作团队合作，产生一个完全实现的戏剧作品。

本课程是为已经完成服装设计1和服装设计2课程，并希望通过研究和实现自己选择的特殊服装设计项目来进一步探索服装设计的任何方面的学生而设计的。

本课程将培养学生使用多媒体工具创作数字表演。我们将着眼于媒体设计的创造性应用，因为它涉及到视频捕捉和数字演示。通过探索各种数字工作流程，学生将获得实际操作经验，并准备好解决问题、排除故障和为数字表演进行创造性设计。通过参加这门课程，学生将创建一个具有媒体意识的戏剧制作者群体，他们致力于制作作品并支持他们的同龄人。本课程将通过数字表演的视角指导、解决问题并批判性地分析戏剧设计。学生将被期望为制作或他们自己的个人作品的季节设计工作。在这一年的课程中，学生将被要求参加额外的技术会议/排练和设计作品。

我将向学生介绍舞台照明的基本元素，包括工具和设备，色彩理论，设计元素的阅读脚本，照明控制台的操作和照明线索的构建，照明图纸和时间表的基本元素。学生将获得悬挂和调焦照明仪器的亲身经验，并受邀参加技术排练。他们将有机会设计产品，并协助其他设计师，以发展对设计过程的更深刻的理解。

照明设计II将在照明设计I中介绍的基础知识的基础上，帮助学生发展设计复杂产品的能力。课程主要集中在CAD和其他与灯光设计、脚本分析、高级控制台操作、与导演和其他设计师沟通相关的计算机程序。学生将被期望设计实际的作品和课堂项目，以供评估和讨论，并将有机会通过协助MacPherson先生和其他人来增加他们的设计经验。

本课程将探索各种木偶戏技术，包括文乐风格，牵线木偶，皮影戏和玩具剧院。我们将从通过个人和小组研究项目详细了解这些形式开始。学生将有机会发展他们的木偶操纵技巧，以及了解如何准备木偶演员的身体为表演。我们将通过实践学习各种施工技术来进一步探索。这门课将以他们自己制作的木偶戏作品的创作和展示达到高潮。

本课程是剧场景观设计的入门课程。学生将学习如何用全新的眼光看待世界，并运用想象力在舞台上创造戏剧世界。课程内容包括风景设计的基本思想和基本设计技术，如研究、绘图、比例模型制作等。我们将从小的练习项目开始，并在最后完成一个最终的设计项目。学生将在课堂上展示他们的大部分项目，然后由同学提问和评论。演讲和评论技巧在本课程中很重要。没有经验的学生，如果对戏剧制作的其他方面感兴趣，以及视觉艺术或建筑，将能够从基础学习。

本课程是风景园林设计的高级培训。学生运用Scenography I的知识和技能，通过广泛和详细的过程完成设计项目。学生还将学习制作过程，以部门制作为例。学生被要求在课堂上展示他们的大部分项目，然后由同学提问和评论。

Bertolt Brecht是一位社会活动家。他利用戏剧来影响变化。布莱希特的戏剧和技巧改变了我们看待戏剧和看待世界的方式。他的方法继续塑造导演分析文本、融合制作元素和创造动态戏剧作品的方式。布莱希特导演课是一门实践性的导演课，为导演们提供了一种源自布莱希特辩证戏剧理论的重要技巧和工作方式。学生们将使用布莱希特的戏剧，以及受他影响最深的当代戏剧大师的戏剧，如安娜·迪弗瑞·史密斯、苏珊·洛里-帕克斯、拉里·克莱默和莫伊塞斯·考夫曼等人的戏剧，在广阔的布莱希特模式的基础上，学习个性化的导演技巧。学生们将从选定的戏剧中导演场景，并创作和安装他们自己的原创作品。学生将在课堂上表演由同学指导的场景。本课程面向严肃的导演、演员、设计师、作家、诗人等，只要对发展一种植根于社会变革观点和渴望的工作方法感兴趣。

导演们将学习将书面文本赋予生命所必需的过程，以及与演员合作以专注和加强他们的表演所使用的方法和目标。现场作业和短剧将在课堂上表演，并对学生的作业进行分析和评价。常见的导演问题将被解决，导演将熟悉概念的过程，使他们能够创造性地思考。第二学期，学生们将自选一部短剧。工作坊对初学主任和任何感兴趣的学生开放。

已经完成了秋季导演班课程的导演可以继续他们的工作，为这门课导演他们自己选择的短剧。本课程附有会议;课堂作业和会议将用于支持排练和制作。

导演是做什么的?我们如何扩大对方向的理解?导演:拓展的领域通过探索戏剧导演的责任、挑战和机会来解决这些问题。秋季学期的重点是指导剧本剧本的技巧，包括文本分析、合作、概念开发和舞台编排。春季学期将通过考虑各种艺术方法来扩展导演的角色，包括社会参与艺术、设计和集体产生的戏剧和讲座表演。在这一年中，学生将通过当代导演、艺术家和思想家从各种生活经历和学科中创作的读物和媒体来学习。学生将通过写作作业、演讲、现场工作和迭代的表演实验来实践和实验导演方法。学生们将在彼此的场景中表演，并在多个项目中合作。该课程以公正为基础的教学和社区驱动的护理为基础，旨在挑战和扩展指导表演的边界。

本课程将从导演戏剧的角度探讨社会参与艺术。在整个第一学期，学生将发展对SEA可能是什么样子的理解。阅读将包括社会参与艺术教育Pablo时,人造地狱克莱尔主教,社会工作香农·杰克逊，以及战术表现:严肃的游戏和社会运动L. M. Bogad著。我们将探索当代参与社会的艺术家以及他们创作作品的背景。例如，当我们学习Simone Leigh 's Free People 's Medical Clinic时，我们也会学习关于Blank Panthers、互助、美国医疗保健和执行护理的历史和理论文本。第二学期将专注于学生研究和项目开发。学生将深入研究，作为开发可能的SEA项目的第一步。学生将建立全面的阅读清单(与图书馆员和教师合作)，并开始发展研究实践。第二学期将有机会展示，促进对话，并回应彼此的想法。本课程有意不要求学生促进SEA项目，因为理解这项工作需要时间、有意义的关系和关心。在这一年中，我们将不断思考剧院、表演者和戏剧艺术如何与SEA的例子交叉和分离。

这门课程将专注于唤醒年轻的艺术家到人类声音的表达范围，以及发展更清晰的讲话和玩声音的复杂性。一个彻底的热身将被开发为力量，灵活性，和范围的演员的声音和讲话。将探索练习和文本工作，目的是在表演时将身体、呼吸、声音和讲话结合成一个有表现力的整体。

学生学习武装和非武装舞台格斗的基础知识，强调安全。演员们被教导如何以最低的风险创造出有效的舞台暴力，从扯头发、呛人到剑斗。将基本的技巧融入到短场景中，让学生体验在经典和现代背景下表演格斗。每个学期的高潮是技能水平测试，旨在认证八种武器形式中的一种。

本课程将探索通过编舞镜头来创造原创戏剧的方法，将其作为一种组合戏剧的各种积木(声音、图像、动作、语言、设计等)的方式，以及通过时间的影响和操纵。本学期将以结构化的提示和大部分在课堂上完成的作业开始，最终转入自我生成的合作项目，其中一些工作将在课外完成。这门课程的主要重点之一是试图通过开放的讨论，阐明一个人的创作过程和其中的选择。通过对所述练习的分析，学生将更清楚地了解彼此的工作和方法。学生将被要求创建运动序列、协作项目和其他研究，以遇到组装、并置、统一、框架、中断、解构和其他基于时间的艺术实践的使用方式。阅读内容包括一系列艺术家的宣言和选集、散文、来自世界各地的各种戏剧实践的节选以及视频例子。由于学生将在不同水平的身体工作，穿着宽松，舒适的衣服是被鼓励的。不需要舞蹈或动作经验;要在这门课程中找到价值，你只需要好奇心和愿意投入进去。

本课程将探索演奏者的完整乐器;也就是人体。每天的热身活动可以让身体进行更大的运动范围，同时向学生介绍更好的功能排列、有效的肌肉和能量利用、充分的呼吸、清晰的重量转移，以及在太空旅行时增强意识。结合即兴表演、接触即兴表演、固定短语和课堂作业，创造短小的、基于动作的作品，将被用于探索更大范围的发音，无论在舞台上说的话。在所有方面，这门课程的目标是使学生勇敢地面对自己的身体，更善于表达自己的身体，并在表演中更有个人表现力。不需要运动背景——只需要好奇心和勇气的健康结合。除了偶尔阅读讲义，学生还将有机会参加纽约专业戏剧和舞蹈的排练和表演。请穿宽松舒适的衣服。

在这门课程中，我们将与当代实验戏剧文本一起探索、讨论和写作。与戏剧传统背道而驰、向外呈现新事物和陌生事物的，就是我们所认为的实验性的东西。在我们长达一年的旅程中，我们将遇到的实验领域包括:时间、背景、结构、人物、语言和体裁。实验在这样一个概念中找到了目的，即脱离戏剧惯例是为了改变观众对戏剧的反应和思考，这反过来又改变了观众对世界的感知和行为。我们将从每一部戏剧的外观、感觉和声音的角度来探索我们读过的戏剧的景观。我们将讨论这些戏剧的文化、历史和个人背景。我们将寻找这些背景可以启发和启发我们写作的方法。我们将使用指定的文本作为出发点，产生我们自己的实验工作，目的是到达一个不同的目的地。我们将从大脑的不同部位写作，从深刻的潜意识到敏锐的分析。我们将考虑一个独特的戏剧结构如何从所讲述的故事中有机地衍生出来。 And we’ll examine ways in which modern technology may assist, or hinder, our storytelling.

我们讲的故事有能力改变我们对周围世界和生活在其中的人的看法。非殖民化叙事是一种推翻殖民主义的行为，或者从广义上说，推翻历史上定义主流叙事的权力结构。在这门课程中，我们将探讨如何重新定义和颠覆主流戏剧中常见的原型和比喻。每周，我们将选择一个固定角色或传统叙事，写一个10分钟的剧本，挑战或颠覆传统叙事。在春季，我们将从秋季创作的短篇作品中选出一篇，并以此为灵感起草一篇长篇。我们会考虑我们希望观众是什么样的人;也就是说，我们在为谁的凝视而写作?我们假设观众知道什么，我们要解释什么?谁会认同我们的角色?当我们写一个我们不常在舞台上看到的角色时，我们需要提供戏剧上的理由吗? Reading assignments will include plays and other artistic material that challenges traditional narratives by using new forms and structure or in questioning conventional portrayals of people of the global majority, queer characters, the working class, Muslims, characters with disabilities, and more. Examples might include work by Jackie Sibblies Drury, Larissa FastHorse, Michael R. Jackson, Hannah Gadsby, Qui Nguyen, Rehana Lew Mirza, Maria Irene Fornes, Cori Thomas, Martyna Majok, and more.

艺术存在于我们每个人的内心。在这门课程中，我们将研究戏剧写作的基本原理，以及如何使用这些技巧原则来塑造我们需要讲述的故事。每周都会有写作挑战，以说明戏剧冲突和角色目标等概念，并激活您独特的艺术声音。我们将练习从无意识中写作，更多地关注过程而不是产品，从情感的诚实和真实的地方写作。在某些情况下，表演和即兴练习将与写作提示一起使用，以帮助我们获得创造性的想象力。我们还将研究如何使用工艺词汇给我们的同伴提供建设性的反馈，并提出战略性的问题，使我们也能得到有帮助的反馈。阅读作业将包括戏剧和各种其他形式的材料，作为例子，如何利用工艺来实现艺术家的愿景。在我们所有的工作中，我们将寻求跟随我们的想象力和创造冲动的激情和乐趣，同时也以严格的意图和纪律接近我们的写作练习。

作为一个作家，你是谁?你写什么，为什么?你在写你写的剧本吗想要或者你写的剧本需要写作吗?无定形的、潜意识的材料源泉和将在现场观众面前实时演奏的形式的严格要求之间的联系在哪里?这门课程是为那些对戏剧结构有扎实知识，了解自己创作过程，并准备好创作一部完整的戏剧作品的学生设计的。(正如爱德华·阿尔比所说，“所有的戏剧都是完整的戏剧。”)学生可以自由选择自己的主题、主题和风格。每周将在课堂上大声朗读和讨论作业。这门课程要求学生进入课程时，至少要对他们计划进行的戏剧有一个想法;理想情况下，他们会带来他们希望修改的部分或完整的草案。如果时间允许，我们将阅读一些已有的课文。

你将探索如何释放你的创作过程的奥秘，同时也将发现戏剧结构的基本原理，这将帮助你讲述你的戏剧故事。第一学期的每个星期，你们都要写一段取材于剧作家的年代指南，我们将使用它作为基本文本。在第一学期结束时，你们将根据这些短作业中的一个写一个简短但完整的剧本。在第二学期，你们将根据自己的选择改编一个短篇故事，然后根据历史人物、事件或时期写一个剧本。在所有的例子中，重点都是作者与素材最深层的联系——戏剧所在之处。作业将在课堂上大声朗读，并每周在课堂上讨论。学生们还将阅读和讨论反映他们作业中挑战的戏剧。

DownStage是一个密集的、亲身参与的戏剧制作会议。台下的学生制片人管理和经营他们自己的戏剧公司。他们负责制作的所有方面，包括决定预算和营销整个赛季的活动和制作。学生制片人被期望填补各种职位，包括技术和艺术，并担任一个运行的戏剧组织的董事会成员。除了他们的义务和指定的制作，下舞台制片人预计将保持正常的办公时间。不要求有生产经验。

这门课程是一门实践性的实验课程，内容涉及技能、实践和态度，帮助舞台管理人员组织一个环境，使戏剧团队能够在最小的压力下高效地合作。课堂练习和讨论增加了分配给每个学生的指导生产工作。剧本分析、分块表示法、道具管理和线索写作/调用都是涵盖的主题。舞台管理的知识和实践是导演的必备工具，也是演员和设计师的有益补充。

这是一个舞台工作的课程，重点是光板和声板操作和投影技术的螺母和螺栓，以及基本的舞台木工的使用。这不是一门设计课程，而是一门关于阅读和绘制灯光图、组装和故障排除以及基本电气维修的课程。选修这门课程的学生将有资格在戏剧系担任额外的带薪技术助理工作。

这是一门每周必修的课程，学生们可以在周六午餐盒戏剧项目中分享他们的戏剧和创作技能。课程实验室将探索为6至18岁儿童创建和发展跨学科教学课程。通过这个与午餐盒剧院直接相连的每周实验室，学生将获得儿童发展原则、课程计划技能和课堂管理策略的洞察力。通过探究和反思，学生将拓展他们的批判性思维过程，同时也将使用适合多种学习类型和层次的实用教学方法和技术。

艺术家是变革的真正建筑师，而不是事后实施变革的政治立法者。既非巴勒斯

本课程探索了创造性、协作性和跨学科的结构，将戏剧扩展到我们的社区，为新接触和有兴趣发展公民参与实践的学生提供帮助。这门课程面向演员、作家、设计师、搬运工和舞台管理人员开放。该实践将探索创造戏剧形式、创作过程，以及通过制作、实践和构建跨学科、共享的戏剧词汇与学习和社区建设的联系。课程工作培养反思、对话、参与、领导、促进和课程建设技能。学生将有一个公民参与安置在一个地区的学校，课外项目，或SLC午餐盒剧院项目。社区安置通常长达一年，通常以一个以过程为中心的非正式演示为高潮，该演示反映了个体参与者的兴趣、故事和经验。课程项目探讨了在社区参与项目中很有价值的参与性、协作性技术。

本课程将探索，扩展，并将戏剧制作技能带到社区。需要有兴趣探索个人表达材料和扩展和发展技能。本课程着重于成功的、以过程为中心的目标和经过验证的社区建设技术和原则。我们将研究当代社会政治和艺术问题在社区工作中的应用。课堂阅读和讨论将回顾关于戏剧创作的理论和实践应用，以及艺术家作为社会变革和社会公正的推动者在社区中工作的政治角色。这门课程面向那些想要通过社会政治的视角来探索个人材料的学生，那些有兴趣通过分享戏剧技巧来对我们这个时代的疯狂政治做出回应的学生，无论他们能做什么，无论大小。这门课程向有影响力的人、剧作家、演员、设计师和视觉艺术家开放。学生将举行一个公民参与安置:SLC午餐盒剧院，一个地区学校，一个课后项目，一个老年中心，或一个青年社区中心。课程项目可能包括:在公共场所表演，为老年人举办音乐歌舞表演，制作特定地点的视频，记录社区口述历史，或社区范围的论坛。教育家约翰·保罗·莱德拉赫要求艺术家与“道德想象”联系在一起——即能够“立足于此时此地，面对所有的暴力和不公，同时仍在想象并朝着一个更积极生活的世界努力”。

因此，我认为教育是一个生活的过程，而不是为未来生活做准备。-约翰杜威

这个每周会议课程，为具有广泛社区经验的研究生和本科生，探索实践教学艺术家的经验观点，通过每周、一年的社区安置发展教学技能和技巧。本课程探索教学理论和跨学科戏剧课程之间的联系和交叉，从而导致变革实践。课程阅读将探索保罗·弗莱雷、m·c·理查兹、贝尔·胡克斯和其他人的作品。本课程延续了成功的以过程为中心的目标，以及成立已久的SLC剧院外展计划中经过验证的社区建设技术和原则。

有一次在排练时，一位剧作家说:“我只是觉得这是本剧最立体主义的时刻。”房间里的每个人都沉默了下来，变得越来越不自在。因为，她到底是什么意思?我们不是早就该知道了吗?这个互动讲座课程调查整个历史上的美学运动，并教你跟踪他们对你的工作的影响。每一个乐章背后的思想都是通过它们发生的历史时刻和它们在视觉艺术、音乐、建筑和表演学科中的正式表现进行研究的。然后，每个学生将自己的作品置于形式美学话语的更广泛的背景中——定位隐藏的影响，有意识地、有目的地进行随后发现的政治共鸣。鼓励学生们找到方法，承认自己的工作对世界的影响所承担的责任，并开始自信地使用“后现代主义”和“未来主义”等术语。

它是一个发现的圣殿，使演员能够探索非西方的运动:集中精力、专注力、声音和角色的“神话”，以发现自己与文本的关系，当代和经典的真相。表演技巧的传统和替代方法都被应用。秋季学期主要关注的角色有:哈姆雷特、里昂提斯、卡利班、奥赛罗、李尔王、麦克白、理查三世、赫库巴、美狄亚、安提戈涅、安妮夫人、塔玛拉、波西亚、麦克白夫人;应用于契诃夫、易卜生、阿拉巴尔、贝克特、艾里斯科、萨拉·凯恩、阿米拉·巴拉卡、爱德华·阿尔比和让·热内的作品的场景研究。必读:表演的艺术斯特拉·阿德勒。

本研讨会/工作坊课程探讨戏剧在我们的文化中所扮演的更重要的角色，特别是戏剧如何回应塑造我们生活的事件和运动——即使它们已经发生。当我们从一个改变生活的事件跳到下一个时，戏剧提供了一个独特的棱镜——一种挑战认知、摒弃既定形式、创造新范式的观察世界的方式。《危机模式》探讨了戏剧在21世纪的相关性。扮演重要吗?表格用完了吗?还是说，现在比以往任何时候都更需要剧院能明显提供什么?戏剧的场景和部分将在课堂上大声朗读。学生将讨论纪录片和电影，并创作个人或团体表演作品，在每学期结束时在课堂上展示。讨论的主题从20世纪中期的戏剧艺术家如布莱希特和贝克特的影响和创新到政治戏剧公司如Teatro Campesino的遗产。我们将研究宣传道具和快闪戏剧的独特价值，并研究当代戏剧创作者和艺术家的作品和变形技巧，如Anna Deavere Smith、Young Jean Lee、Aleshea Harris、Hilary Bettis、Branden Jacobs-Jenkins、Tony Kushner、Dominque Morriseau和Quiara Alegria Hudes，以及酷儿、女性和跨性别戏剧创作者。 Crisis Mode is open to actors, directors, designers, playwrights, and those interested in looking at theatre as both discourse and a means of social activism.

每周的班级会议将分析和讨论作品，并定期参观许多当季的戏剧作品。该班将在三州地区旅行，在尽可能多的不同场所、形式和风格的剧院观看。已经出版的戏剧在观看演出之前会进行研究;新的或无脚本的作品之前，作者或公司将检查以前的作品。学生在购票时可以享受所有团体折扣。