跳舞

学生们将参加精选的动作练习课程，以及即兴表演和舞蹈学术研究，这些课程将构成第一年的舞蹈研究。(组件类描述请参考课程目录。)学生们每天都在演播室跳舞。在整个秋季学期，我们还会在第一年的舞蹈研究项目中每周碰面，深入了解我们在舞蹈课上所做的工作。我们将研究的一些问题包括:舞蹈在各种文化和社会中扮演了什么角色，无论是现在还是过去?舞蹈是如何与其他艺术形式和其他研究领域相互作用的?舞蹈的要素是什么?舞蹈能做什么，我们能用舞蹈做什么?我们将通过阅读和讨论，以及舞蹈实验和短舞来检验这些问题。在整个秋季学期，学生们每周都要参加个别会议，在春季学期每两周举行一次会议，根据他们自己的特殊兴趣和课堂上探索的材料来开发他们自己的项目。

本课程以细读爱丽丝·沃克2010年的诗集开始，艰难时期需要狂飙的舞蹈，作为一种进入运动所能传达的多重意义和复杂性的入口，以及这些意义层以何种方式将我们作为个人和集体动员起来。承认定义舞蹈、舞蹈和动作的无限可能，我们将考虑一系列具体的参考作为原型:舞台表演、公共/政治示威和日常编舞，这些都理所当然地发生在自然和人为的环境中。除了爱丽丝·沃克的作品之外，来自舞蹈、表演、文学批评、女权主义、科幻小说、文化研究、种族生态学和激进主义等领域的文本，以及现场和记录的表演事件(正式和非正式的)的例子，将作为阅读、观看、思考、对话的灵感。全年写作。所有参与者的历史和视角将被要求阐明这些材料，并将它们翻译成我们自己的语言。课堂活动将包括阅读、写作、讨论和无障碍运动练习。每位学生将从一个或多个课堂活动中进行独立研究，包括阅读、写作和演讲。对于定期参加该课程的学生，会议工作可以建立在课堂独立研究的基础上，也可以配置为一个单独的项目。这门课程的目的是扩大我们对运动和舞蹈的认识，认为它们是存在的基本方面;探索该研究内在的理论潜力; and to incorporate new insights into our reading, thinking, conversation, and writing practices.

舞蹈会议召集所有参加五学分舞蹈第三课程、三学分舞蹈研究课程或一学分舞蹈研究课程的本科生，以及所有舞蹈硕士研究生，大约每月举行一次会议。我们聚集在一起参加各种各样的活动，丰富和丰富了舞蹈课程。除了分享部门的新闻和信息，舞蹈会议还提供来自纽约和其他地方的客座艺术家的大师课程;与与舞蹈有关的保健领域的从业人员举办讲习班;嘉宾、SLC舞蹈系及校友的座谈及演讲;以及由基于实时的艺术课创建的部门表演的选角环节。

本课程是一个实验实验室，旨在让学生接触到当代舞蹈创作的各种声音和方法。每位嘉宾艺术家将领导一个由3到7节课组成的模块。这些小型工作坊将向学生介绍艺术家和他/她的创作过程。嘉宾们将展示当代艺术实践中涌现出来的、既定的声音和广泛的方法。

这个瑜伽课程的设计考虑到了舞者和戏剧学生的兴趣。练习不同种类的姿势，注意姿势的排列、呼吸意识、力量和灵活性。身体练习包括坐和站的姿势，扭转，前屈和后屈，传统的瑜伽呼吸练习，和短暂的冥想。重点放在正念和在场。这种方法允许学生获得工具，以减少压力和解决不支持的习惯，并将其带到他们生活的其他方面。注意将被给予脉轮系统，作为姿势、运动和性格选择的手段和隐喻。教师有舞蹈和物体戏剧的背景，此外她还利用各种以身体为基础的实践来设计课程，以满足班级成员的个人需求。虚拟出席是必要条件。

表演项目是邀请来访的艺术家或公司与学生一起创作作品或设置现有的舞蹈作品的组成部分。这些作品在学期末为学院社区演出。

在本课程中，对创作时间为基础的艺术作品(包括现场表演)有特殊兴趣和经验的毕业生和高年级本科生将设计和指导个人项目。学生和教师每周都会碰面，在周二晚上的课堂上和周四下午的会议上观看正在创作的作品，并讨论相关的艺术和实践问题。跨艺术努力的多个学科的工作属性将作为工作中整体和相互依存的元素进行讨论。与你的同伴一起参加有指导的、批判性的反馈会议是这门课程的一个关键方面。与介质接触的时间在现场表演,演讲的约束的作品在进步和共享程序的事件,需要尊重教室和舞蹈工作室的展示空间将限制强加给学生的艺术主张。在这门课程中，从事任何数量的现场表演传统的学生都是受欢迎的，就像那些试图打破传统的学生一样。虽然所有的作品都将以某种方式涉及具体行动，但学生的提议不必完全落入舞蹈的传统概念。无论是在作品的发展过程中，还是在向公众展示的语境中，培养跨越传统学科艺术边界的开放话语是课程的中心目标。领导这门课程的教师们植根于舞蹈实践，但也在他们自己的创造性工作中实践了对舞蹈的广泛定义。本课程将在学期结束时与所有注册学生共享项目，并在冬季和春季为基础的艺术活动的背景下进行作品表演。 Performances of the works will take place in the Bessie Schönberg Dance Theatre or elsewhere on campus in the case of site-specific work.

对于在SLC舞蹈课程中完成全年解剖学学习的学生来说，这是一个更深入地进行功能解剖学研究的机会。在课堂上与教师进行公开咨询时，每个学生都参与到独立的研究中，开发出一条或多条利用功能解剖学观点和文本作为组织框架的探究线。近年来的研究课题包括运动和经验学习的调查，发展独特的热身序列以解决特定的个人技术问题，探究运动经验及其语言表达，详细研究膝关节解剖，以及膝关节损伤的运动学和康复研究。本课程每两周一次，讨论研究进展、问题、报告、写作和报告研究的方法，与每周进行的个人和/或小组研究咨询的工作室/实践会议交替进行。

在这些课程中，重点将放在与每位教师的技术和审美取向相关的动作技能、能量使用、力量和发音的稳定发展上。在所有层次上，我们都将注意提高每个学生对时间和精力的意识，并按照合理的解剖学原则有节奏地、精确地进行训练。在不同等级的职业结构中，移动模式的复杂程度会有所不同。所有学生都将调查感官体验和表演的各种需求。

动作和舞蹈是生命的明确标志!在每一个环境中，在每一个存在的层次上，从单细胞生物到整个种群，舞蹈是生物与生俱来的。这里的目标是唤醒/重新唤醒学生对运动的联系，作为人类经验和学习的基本模式。本课程向学生介绍舞蹈的一些基本原则，以及舞蹈准备的策略。为广泛的动作研究建立基础技能，重点是学习动作，并以各种模式和风格改进个人、伙伴和团体的表现。基础解剖信息被用来帮助理解动态对齐和运动电位。在协调，节奏，范围和动态质量方面的挑战是系统地参与，让学生获得力量，灵活性，耐力，平衡，音乐性，和意识的舞蹈设置。当主要的重点放在学习结构化的材料，即兴创作和创作被纳入，以支持学生与舞蹈作为一种艺术形式不断增长的参与。

这是一个研究性的教程课程，提供了一个机会，在舞蹈艺术硕士项目的背景下探索舞蹈和表演的基础文本。由于我们的课程重点是表演和编舞，尽管如此，在我们的领域有重要的写作和讨论，这对学生为舞蹈和表演的职业生涯做准备是至关重要的。为了配合我们的阅读和讨论，每个学生将进行实质性的独立研究和写作。重点是开发一条或多条调查线，设计策略，有效地和有意义地遵循学习路径，以产生良好的写作。这需要确定具体的研究主题、来源和方法;利用这些资源和做法;并在后续阶段报告过程。项目将贯穿全年，最终完成写作和课堂报告的最终修订。学生将在每学期期间撰写定期报告和多篇草稿，并将作为同事的读者。

我们怎么可能以无数种方式行动呢?通过结合运动练习、绘画、演讲和解决问题的功能解剖学研究，学习发展你对运动中的人类的x射线视野。在这个课程中，运动是一种强大的载体，可以详细体验我们适应性极强的肌肉骨骼解剖学。我们将学习艾琳·多德的螺旋-全面的舞蹈热身/冷却，协调所有关节和肌肉的最大范围的运动，促进整个肌肉骨骼系统的研究。除了运动练习外，每周的课程中还会有绘图(提供绘图材料)，每学期还会提交三份简短的作业。在这门课程中发展的见解和技巧可以在动作创造和构图的过程中提供巨大的灵感。

无论何时我们做什么，我们都是在即兴创作。但想象力和创造力不是随机的。的确，所有学科的艺术家都有顿悟的时刻，但那些“顿悟”的时刻来自于实验、策略、观察和决策的实践——由专注的状态支持。同样，“完美形式”和“自由即兴”的概念在理论上都是不可能的。没有什么是完全固定的，也没有什么是完全开放的。无论我们从事什么创造性的努力，我们总是在现实世界中，在这两个极端之间的空间。在本课程中，我们将以不同程度和类型的确定性实时制作舞蹈。我们将受到各种各样的关注和聚焦我们选择的方式的指导，但我们将始终意识到我们正在实时编排舞蹈。这需要我们磨练自己的感知能力，以及与合作者沟通的能力。在这一年中，我们将发展我们的能力，建立连贯的结构来指导我们的选择，并注意和利用机遇带来的意外发现。 This component is open to students with prior experience in improvisation and dance-making, as well as to those new to the form.

光是电磁辐射的一种形式，它使我们能够看见。光的品质及其与空间的相互作用对体验的影响有着深远的影响。我们都知道仲夏下午的感觉与阴天、灰色的下午、地铁车厢、日落或满月的夜晚是不同的。是什么特质的光产生了这些截然不同的感觉?制作光的艺术和实践是这个组件的主题。我们将在多种背景下研究光的理论和实践方面。首先要注意我们通常会忽略的东西。从那里，我们将学习如何主要地，但不完全地，在一个戏剧环境中工艺的光条件。了解戏剧的历史惯例，特别是美国戏剧舞蹈的惯例，将为我们提供一个出发点，开始思考超越这些历史惯例的问题。重点是学习基本的灯光技巧，包括舞台艺术。 Students will collaborate with, and create original lighting designs for, the Time-Based Art works when such needs are appropriate to the artistic proposal.

所有水平的芭蕾舞学生将被引导在他们的舞蹈中创造和表达自由，提高轻松、优雅、音乐性和对称性的质量，定义了这种形式。我们将探讨对齐，重点是解剖学原则;我们将培养如何利用适当的神经肌肉力量进行有效运动的意识;我们将协调身体、思想和精神的各个方面，使它们和谐地融合在一起。

这是一门开放水平的课程，教授街舞/都市舞的技巧和表演，课程将探讨街舞的理论、技巧和词汇。本课程将促进学生嘻哈/城市舞步的发展和执行能力。

本课程是一门实验室课程，重点是研究人类运动的创造潜力。我们将探索工作是如何通过材料本身产生的，如何通过舞蹈现象进行转化。虽然动作将被考虑到他们的组成关系，我们的舞蹈的具体化经验和它的动觉共振将优先于认知定义，概念关注。本课程将尊重直觉的智慧，因为我们建立的能力，玩，操纵，和扩展的运动调色板。贯穿整个课程的一个关键焦点将是在创造共鸣的舞蹈中磨练艺术的声音。

在整个学期中，我们将集体工作，优先考虑问题和对话，以支持理解我们被什么运动风格所吸引，我们如何在运动中创造、解释和组织思想，以及我们如何开始与彼此分享这些信息。学生将发展自己的实践，并调查这种个人运动研究和教学探究之间的交叉，作为一种手段来想象和发展一个支持和包括多种运动水平和能力的课程。工作描述无形和运动本身的经验我们将完善如何过滤这个舞蹈课内以及它如何可能发起或共享访问运动来增强一个人的能力,提高意识,理解节奏,技术结构、感知、和人类在教学的交换。

学生们将学习中国传统的太极拳和气功。这些练习包括缓慢而从容的动作，专注于呼吸，冥想练习，以及恢复和平衡能量(气或气)的姿势。姿势一起流动，创造出优美的连续动作的舞蹈。太极拳和气功有时被称为软武术或内功之一，在中国传统文化中，它们是终身全面修身养性的基础练习。本课程开放给舞蹈、戏剧和其他对身体和动作练习有兴趣和好奇的学生。

这个组件将为学生提供机会演奏来自世界各地的打击乐器:非洲djembes，巴西zurdos，阿根廷bombo，秘鲁卡洪和基哈达，印度手鼓，传统的陷阱，等等。学生还将能够编写和执行电子鼓，如Wavedrum和Handsonic。重点将是普遍的提高一个舞者的全部音乐知识，但也将扩大编舞，演员和作曲家的词汇。该组件的目的是为学生提供所需的工具，使他们完全沉浸在理解音乐、舞蹈和表演艺术的关系。学生将扩展他们的术语和执行的知识，并将能够学习基本的符号。我们将从智力和文化的角度分析音乐的相互作用。我们将学习如何浏览不同程度的复杂的乐谱，并探索不同的节奏风格，通过时间和不同的地理和社会条件发展。课程将由小组游戏组成。所有的乐器都将提供，供练习使用。

这个为期一年的课程将使用身体具体化作为学习和理解非洲散居文化的模式。除了身体练习外，由被认为是非洲侨民舞蹈和音乐领域大师的艺术家和教师领导的大师班，连同补充学习材料，将用于探索非洲侨民衍生舞蹈的广度、多样性、历史和技术。非洲海地舞、西非舞、奥里沙舞(卢库米舞、非洲古巴舞)和交际舞是我们将探索的一些流派。参加年终展示会将为学生提供一个在实践环境中应用所学知识的机会。

本课程是通过LEIMAY的Ludus实践来介绍butoh，这是由LEIMAY艺术总监Ximena Garnica今天教授的具体研究。舞踏是日本的一种表演艺术形式，由海方达美在20世纪50年代和60年代创立。课程一开始将介绍海方的舞步舞(butoh-fu)，这是一种通过文字将图像物化的舞蹈方法。然后，课程将扩展到LEIMAY的训练课实践，使用多种物理探索来体现意象和扩大意识状态，从而实现多种感知领域，同时挑战欧洲中心的身体、空间和时间概念。每个舞者的身体潜能将被培养成一种独特的动作语言，这种动作语言根植于布托的转变思想。同时，我们将重点关注通过识别身体自身重量与重力的关系，以及内部节奏和流动性的培养来调节传导身体。我们将一起去中心化以自我为中心的运动方式，探索“被跳舞”而不是“我跳舞”，“成为空间体”而不是占据空间的可能性。我们将挑战我们身体的物质性，通过倾听非人类的节奏和纹理来激活我们的感觉。我们将把“不可能”当作火花，来丰富我们创造和居住这个世界的方式。本课程是基于西梅纳近二十年来对布踏的研究而发展起来的原则。 Historical and cultural context will be offered throughout the course.

本课程将培养学生将自己的艺术融入教学环境的技能，将实践和理论研究相结合。我们将系统地、富有想象力地发展最能打动我们的舞蹈和动作形式的教学实践，在整个过程中解决个人和集体的关切。我们将探索各种技巧的教学策略，从编码舞蹈形式到生成形式，包括即兴创作和作曲。在本学期的课程中，所有的班级成员都是教师和学生，每个参与者将制定一个统一的专业教学计划。工作室实践——包括运动、观察、讨论和课堂练习——将支持对教学和学习的深入探索，并将其作为教育的内在相关方面。除了在工作室工作之外，独立研究还包括调查舞蹈教育和培训领域的文献，以及该领域之外的潜在资源，根据个人兴趣。实践和理论研究将构成期末报告(教学课程计划的一个或多个部分)和期末书面报告的基础，并附有注释的参考书目，总结和记录发展过程，以及为未来的宣传材料提供基础。

这门课程被设计成舞蹈实践中的想象实验室。这是严格游戏的时间和空间，在这里我们批判性地参与我们各自的创作过程。所有课程都致力于在有指导的实验室环境中进行舞蹈练习。学生们被要求在这些课程中提出编舞建议或想法，与他们的同学一起合作。在整个课程中，我们将强调具体的构图和/或艺术关注点，这将构成我们的调查。这些关注将被用来将我们的批判性分析集中在我们选择的一个方面，而不是作为一个定义舞蹈提议本身的分数。我们的大部分工作将集中在改进舞蹈练习的过程，以便更好地理解我们参与的过程是如何塑造我们所做的东西的。

本课程介绍Bartenieff基础和Laban动作分析(LMA)，主要关注舞蹈/动作治疗。介绍Bartenieff基础、发展与努力-空间-形状的关系。解剖学和运动学的概念将支持这些框架。本课程是关于运动观察和评估技能的三门课程中的第一门，旨在让学生熟悉拉班的概念和原则，以便观察和描述运动，并结合其他相关角度来理解人体运动。学生将通过探索身体、努力、空间和形状等概念，学习体现和观察身体动作的基本组成部分。学生还将发现如何改变运动的动力，并研究身体可以将部分组织成一个整体并投射到空间中的方式。LMA提供了对个人运动偏好的洞察，并提高了对运动传达和表达的内容和方式的认识。本课程将从概念和具体的角度，对鲁道夫·冯·拉班所处时代的背景和历史因素进行严谨的探究和探索。

雅典、伦敦、巴黎、柏林、纽约……西方戏剧的历史总是与城市、政治、习俗、地理和观众联系在一起。本课程将追溯戏剧的历史，它起源于公元前5世纪的雅典，并在后来的城市中发展成不同的表达方式和实践方式，这些城市都被视为文明的“首都”。戏剧是教化了，还是仅仅是某种特定文明的反映，这种特定文明的文化假设决定了它的价值观并塑造了它的风格?鉴于古希腊民主生了悲剧和喜剧公民赞美上帝Dionysos-from特殊耦合的世俗和sacred-what当这些令人讨厌的选区的流派复发伊丽莎白时代的伦敦,路易十四的抛光法院,魏玛德国的啤酒大厅,还有百老汇的霓虹灯“宫殿”?有时体裁本身也会受到新形式实验的挑战，或被刻意安排在不习惯的地方进行表演。像欧里庇德斯(Euripides)、布莱希特(Brecht)和莎拉·凯恩(Sarah Kane)这样的剧作家，通过改变观众所期待的东西或他们聚集的地方，会破坏文明规范吗?以希腊戏剧为基础，我们将通过对每个城市的戏剧进行一系列按时间顺序的调查来解决这些问题:第一学期的雅典和伦敦;其次是巴黎、柏林和纽约。

一种看待文学的方式是把它看作一个民族的良知，反映他们的起源、他们的价值、他们的损失和他们的可能性。本课程将学习撒哈拉以南非洲作家接受文化形成和批评挑战的主要代表性文本。现代非洲最好的作品之所以具有美学力量，部分原因在于其任务的政治紧迫性:过去仍然影响着现在，未来还有待书写，作家们要说的话足够重要，以至于他们的作品被认为是危险的。因此，政治问题和审美问题在他们的作品中是不可分割的。土著语言和欧洲语言之间的创作张力，传统的演讲和讲故事的形式和自觉的“文学”形式之间的创作张力，记录了所有后期殖民和后殖民历史的压力和冲突。为了辨别现代非洲写作的传统来源，我们将首先阅读史诗、民间故事和其他形式的orature的例子。主要小说将从Tutuola、Achebe、Beti、Sembene、Ba、Head、Ngugi、La Guma、Dangaremgba和Sarowiwa的作品中挑选;索因卡和艾杜的戏剧作品;来自Senghor, Rabearivelo, Okigbo, Okot p 'Bitek, Brutus, Mapanje等人的作品中的诗歌。会议工作可能包括我们在课堂上一起学习的文章、作者和体裁的更深入的工作; aspects of literary theory, particularly aspects of postcolonial and womanist theory relevant to readings of African literature; or readings of more recent writers out of Africa whose work draws on and develops the “classical” works that will be the foundation of our work together.

本课程将考察从19世纪上半叶到苏联时代结束及以后，俄罗斯作曲家对西方音乐的巨大贡献。我们将在重要历史事件和激发俄罗斯艺术家的知识运动的背景下研究这些作品:寻找合适的俄罗斯身份表达的渴望，对西欧成就的矛盾心理，公民责任的理想，19世纪后期的唯美主义，俄罗斯革命，以及苏联社会的压迫。需要学习的作曲家包括格林卡、柴可夫斯基、穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基。没有音乐课程或音乐理论知识的要求。

感知的心灵是一种化身的心灵。莫里斯梅洛庞蒂,1964

感官知觉是所有类型艺术作品创作和体验的重要组成部分。对感觉系统的研究是心理学家和神经科学家理解大脑、思想和身体的基础。最近的脑科学研究已经使我们超越了亚里士多德的五种不同感觉的概念，而认识到各种感觉之间相互联系，并与基本的心理学范畴如知觉、注意力、情感、记忆、想象和判断联系在一起。我们所说的“味道”是“味道”的多感官结构，它严重依赖于嗅觉、视觉和触觉(口感);“视觉”指的是一组半独立的溪流，专门处理颜色、物体身份或空间布局和运动;“触摸”包含了一个复杂的反应系统，对最大的感觉器官——皮肤的不同类型的接触作出反应;“听觉”包括被认为是人类最典型的感知方面——音乐和语言。许多其他的感觉不包括在标准的五种感觉中:例如，平衡感、体位感(本体感觉)和所有权、从身体内部产生的疼痛感、热或冷的感觉。知觉心理学家认为，总数更接近17个，而不是5个。我们将研究所有这些感觉，它们之间的相互作用，以及它们与人类情感、记忆和想象的亲密关系。 Some of the questions that we will address are: Why are smells such potent memory triggers? What can visual art tell us about how the brain works and vice versa? Why is a caregiver’s touch so vital for psychological development? Why do foods that taste sublime to some people evoke feelings of disgust in others? Do humans have a poor sense of smell (and have the effects of COVID-19 changed our views of its importance)? Why does the word “feeling” refer to both bodily sensations and emotions? What makes a song “catchy” or “sticky”? Can humans learn to echolocate like bats? What is the role of body perception in mindfulness meditation? This is a good course for artists who like to think about science and for scientists with a feeling for art. This is a collaborative course, with small-group meetings held weekly in addition to the individual conference meetings held every other week. The main small-group, collaborative activity is a sensory lab where students will have the opportunity to explore their own sensory perceptions in a systematic way, investigating how they relate to language, memory, and emotion. Other group activities include mindful movement and other meditation practices for stress relief and emotional regulation, as well as occasional museum visits if these can be done safely.

眼见为实。孩子在会说话之前会看和识别。-约翰伯格

心理学家和神经科学家一直对测量和解释视觉知觉现象感兴趣。在本课程中，我们将学习视觉大脑如何编码基本的感知方面，如颜色、形式、深度、运动、形状和空间，以及它们如何被组织成连贯的感知或格式塔。我们的主要目标是探索视觉神经科学研究和艺术是如何相互影响的。我们在这些探索中的向导之一将是具有开创性的完形心理学家鲁道夫·阿恩海姆，他是艺术心理学的先驱。神经学家埃里克·坎德尔(Eric Kandel)最近的一篇同样具有创新性的文章，艺术与脑科学中的还原论将为我们进入神经美学这门学科提供线索。在我们的视觉之旅中，我们将寻找知觉现象和已知的大脑处理视觉信息之间的联系。这门课程是为那些喜欢反思我们为什么会这样看待事物的人开设的。它应该对视觉艺术的学生特别感兴趣，他们对他们在艺术中探索的现象的科学解释感到好奇，以及大脑的学生想要研究视觉神经科学的应用。在这个大型研讨会中，你们将每周以小组形式(5到7名学生)会面，设计一个协作会议工作，策划一次深入的感知博物馆之旅。个人会议在本学期只会举行两次。

这是一门关于运动实践的课程，实践在这里有多种含义。作为一种身体活动，体育实践是通过身体来感受和体验的，这是其主要但不是唯一的“习惯”——法国社会学家皮埃尔·布迪厄在阐述其“文化资本”概念时普及的术语。在本课程中，我们将以运动身体和布迪厄的惯习(品味、习惯、技能、性情)概念为出发点，在时间和空间上考察运动及其在超越个体(身体)的世界中所起的作用。我们将沿着多个轴来研究运动:作为一种集体和/或个性化的活动;作为休闲和娱乐的源泉;作为有利可图的就业来源;作为身份认同和国家建设项目的场所;作为一个空间，它产生了跨国流动和相互联系，以及断裂。在其商品化的当代形式下，体育往往是由大笔金钱和/或国家控制的，是Debord所说的“奇观社会”的组成部分，是生产、消费和娱乐的场所。通过身体体验到的运动和作为一套纪律实践之间的复杂关系将允许我们通过个人、集体和制度化权力的关系来思考，并将它们与身体政治问题联系起来。 Taking the internal dynamics and meaning of sports seriously, we will engage sports as a contradictory field—as both a productive space and a space of consumption. Our readings will include scholarly works, sports journalism, films, documentaries, and other primary sources. Possible conference topics include sports and politics; analysis of particular sports events (e.g., the Olympics, women’s basketball, the World Cup); (auto)biographies and/or oral histories of athletes; sports and protest; “fitness,” health, and the body; gender, race, sexuality, (dis)ability, and sports; nationalism(s), national “styles,” and sports; and the phenomenology of sports.

这将是一个高度严格的绘画课程，推动年轻的艺术家发展一个有纪律的，可持续的，实验性的绘画实践，以探索新的思维方式，观察和制作艺术。每周，你将在纸上创作50到100个小作品，基于各种各样的、开放式的、不可预测的提示。这些提示意在动摇你的实践，鼓励你质疑作品的主题和它的物质过程之间的关系。你将学会快速而灵活地工作，不断尝试各种媒介和过程，探索各种可能的解决方案。当你每天画这些画的时候，你将同时完成一幅巨大的、雄心勃勃的画，你将在整个学期中重新审视它。这个作品将缓慢地演变，渐进地改变，并以与你日常工作截然不同的方式反映时间的流逝。这种动态的交流将让你在创作实践中发展出不同的节奏，在想法的产生和最终的纸上美学之间架起桥梁。这门课程将挑战你雄心勃勃的重新定义绘画，并在这样做，将戏剧性地改变你的艺术制作实践。

像身体一样，雕塑总是在某处。可移动的或固定的，永久的或短暂的，雕塑作品是不可分割的，从它的体验空间，一个空间，我们，也居住。在本学期中，本课程的学生将逐步接触到与物体、空间和地点的复杂互动。我们的第一个网站将是一张纸“对话”工作与合作伙伴。课程结束时，学生将与特定场地进行独立构思的互动(广义上，将“场地”视为作品“驻留”的地方)。在整个过程中，我们将看到艺术史上“装置”的各种例子，以及一系列呈现艺术家和场地关系的文本。我们将至少去一次纽约的博物馆和画廊。我们还将讨论记录(通过摄影、视频、写作，甚至说话)作为生活和工作经验的一部分的过程和可能性。

自20世纪初以来，艺术家们一直将行为艺术作为一种激进的表达方式进行探索。无论在形式还是功能上，行为艺术都超越了当代艺术的界限。通过这种表现形式，艺术家们创作了关于身体和性别、性、种族政治的强有力的作品。本课程将表演艺术作为一种多孔的、跨学科的媒介，对所有学科的学生开放，包括绘画、绘画、版画、摄影、雕塑、视频、电影制作、戏剧、舞蹈、音乐、创意写作和数字艺术。学生将学习行为艺术的历史，并探索一些概念和审美策略用于创作的行为作品。学生们将利用历史和批评文本、艺术家的作品、视频放映和幻灯片讲座，使用一系列简单的提示来帮助塑造自己的表演。本课程调查的艺术家和艺术运动包括Dada, Happenings, Fluxus, vienna Actionism, Gutai Group, Act-Up, Joseph Beuys, Judson Church, Ana Mendieta, Gina Pane, Helio Oiticica, Jack Smith, Leigh Bowery, Rachel Rosenthal, Jo Spence, Chris Burden, Vito Acconci, Bas Jan Ader, Terry Adkins and the Lone Wolf Recital Corps，Carolee Schneemann, Martha Wilson, Adrian Piper, Martha Rosler, Lorraine O’grady, Joan Jonas, Karen Finley, Janine Antoni, Patty Chang, Papo Colo, Paul McCarthy, Matthew Barney, Ron Athey, Orlan, Guillermo Gomez Pena, Narcissister, Annie Sprinkle, Vaginal Davis, Kris Grey, Carlos Martiel, Autumn Knight, Amanda Alfieri, Hennessey Youngman，Savannah Knoop, Shaun Leonardo, Francis Alys, Andrea Fraser, Tania Bruguera, Zhang Huan, Regina Jose Galindo, Aki Sasamoto, Pope。L，还有更多。

本课程专为有兴趣更深入地追求自己的艺术创作实践，并在春季学期以个展而告终的大四学生而设。支持学生在绘画、绘画、雕塑、视频、摄影、声音、新流派、表演等方面进行创作。学生将保持自己的工作室空间，并将被期望独立和创造性地工作，并挑战自己和他们的同龄人，探索新的思维和制作方式。在这一年的课程中，学生们将专注于自己的艺术创作实践，并将在春季学期的展览中展示一套严谨的独立作品，并附带一本记录展览的印刷书籍。我们将定期在视觉艺术项目中与来访的艺术家和教师进行评论，以及阅读、图像讨论、参观画廊和艺术家工作室。我们将参加视觉艺术系列讲座。你的艺术创作实践将被补充到其他方面来展示你的作品——写一份艺术家声明，采访艺术家同行，记录你的艺术——以及一系列专业实践研讨会。这将是一门沉浸式工作室课程，为有兴趣在跨学科环境中创作作品的专业艺术学生开设。