剧院

本课程将探讨戏剧导演作为艺术家和艺术合作者的工作。戏剧剧本分析、排练准备与过程、演员与导演、编剧与导演的关系以及导演的艺术表现将在课堂讨论和练习中涵盖。学生将通过参观纽约市戏剧作品和场地以及额外的实地考察，接触到各种各样的导演风格和技巧。我们将详细分析参观过的一些戏剧作为课堂作业的一部分。强烈建议注册本课程的学生对探索戏剧导演有浓厚的兴趣。参加FYS戏剧课程的学生可以选择额外的戏剧部分作为第三戏剧课程的一部分。他们亦须出席预约的剧场会议及研讨会，并完成部门规定的技术支援时数。这个戏剧预科学生偶尔会与其他戏剧预科学生的课程——斯图尔特·斯宾塞的历史和表演学——进行互动。这将包括但不限于定期到纽约市的剧院观看演出(如果疫情允许的话)，之后两组人将会面讨论戏剧和演出。重要提示:一年级学生不需要为了学习戏剧课程而参加戏剧课程的FYS课程。 They may enroll in a Theatre Third that does not include first-year studies. FYS in Theatre is an intense exploration of one area of theatre, and students should have a strong interest in that area before signing up for the course.

这门课程探索了2500年的西方戏剧，以及戏剧思想是如何从5世纪的希腊追溯到20世纪的尼日利亚的，中间有很多站。我们将尝试理解一部戏剧是如何构建的，而不是简单地写出来的，以及每个后续的时代是如何接受和拒绝之前的时代，以创造自己独特的戏剧身份。我们将学习西方戏剧的主要流派，包括古典结构剧、伊丽莎白戏剧、新古典主义、现实主义、自然主义、表现主义、喜剧、音乐剧、残酷戏剧和存在主义。我们将研究这些戏剧的社会、文化、建筑和传记背景，以便更好地理解它们是如何以及为什么是这样写的。课堂讨论将专注于每周的一部新剧，而会议工作将主要致力于学生的写作。这个戏剧杰出学生偶尔会与其他戏剧杰出学生的课程——戴夫·麦克雷的美国戏剧导演课程——进行互动。这将包括但不限于定期到纽约市的剧院观看演出(如果疫情允许的话)，之后两组将会面讨论戏剧和演出。

通过实验舞蹈-戏剧实践的镜头，本课程提出戏剧作为一个容器，一个人自己创造的欲望，需要，身体和它所属的更大的社区的现实。本课程以关怀政治为中心，探索即兴创作和基于身体的探究——包括但不限于动作、躯体学、声音、歌曲、口头和书面文字，以及原型体现。通过练习这些形式，参与者将设计出他们自己的独奏表演实践;创作乐谱、文本或作文;互相合作，互相指导，互相创造。我们的研究将考虑如何从身体之外收集和整合“材料”，以便进一步将跨学科应用为创作的力量，同时注意身体对这些材料的身体反应，以及我们在考虑挪用时共同承担的特殊责任。这些材料的捕获将包括两到三个在各种技术平台上进行实验的讲习班，从我们的环境中收集发现的声音和语言(课程的一些方面将包括在上课时间安全走出“工作室”)，以及学生创造和分享他们自己的收集方法。小组讨论将为我们使用的所有术语提供批判性对话的空间，课程将包括支持性阅读，以说明这些实践在我们当代环境中的优先地位。

本课程将从探索单口喜剧的经典结构开始。设置和打拳、表演和强化文字游戏的概念将被采用，以及使用你的过去、新闻和当前的社会环境创建和成为喜剧角色的技术，以制作一个喜剧例行程序。发现对观众来说明显有趣的东西是喜剧艺术家的工作。第一学期的主要目标是创造性的喜剧思维和你对周围世界的个人观点。我们还将通过亨利·柏格森(哲学家)、约翰·赖特(导演)和克里斯托弗·弗莱(剧作家)的作品来学习喜剧理论。第二学期将通过即兴技巧、长篇即兴游戏(Harold)、喜剧小品写作和小组工作的表演技巧，以及锻炼艺术家在合作小组环境中的自由和自信来进行合作。当他们一起创作、表演和创造场景时，整个团队将学会信任自发的反应和他们自己的喜剧疯狂。在第二学期结束时，将会有一场正式的喜剧表演。

这个班是演员的实验室。它是为那些准备好寻找全面参与表演步骤的表演者设计的。在第一学期，我们将探索激发每个演员想象力的角色和独白。在分析完文本，定义图像，并探索演员的情感选择后，我们将为试镜自录我们的作品。第二学期将专注于现场工作:用于发展与你的现场搭档加强联系的技术，倾听的重要性，并在排练室中找到你的冲动。我们将观察德克兰·唐纳兰的工作并阅读他的理论行为人和目标和斯蒂芬·王的心灵的杂技演员．

即兴表演加强自发的想象;它是创造性思维的运动。席勒写道，“思想之门的守望者”过于仔细地审视各种思想。他相信，在创造性的头脑中，“智力已经把它的看守者从大门中撤出，思想杂乱地涌进来——只有这样，它才会审视和检查大众。”体验这种创造性思维是第一学期大部分练习的重点。这些即兴创作将培养艺术家和学生的自由和自信。席勒还说:“没有创造力的人只是对所有真正的创造者都会有的短暂的疯狂感到羞耻。”第一学期的目标是打开这些创造性思维，训练艺术家相信自发的反应和这种转瞬即逝的疯狂。在这门课上，我们将发展一些场景和情境，提高你的发明能力，给你身体上的自由，并在你的工作中提高情感的真实性。我们将创造独白和角色的时刻; exploring exercises for creating a strong community in a classroom, youth center, town hall, or work environment; and collaborating on ideas for pitching projects. For actors and directors, we will practice techniques for film improvisations, TV commercials, and theatre auditions to develop the artist’s range. For non-theatre students, we will be focusing on confidence and trust in their original ideas. Any performance—whether experimental, classical, or in a business environment—begins with the artist’s own personal experience. Whether you are collaborating with a start-up team, giving a speech to a community, or acting on stage, the spontaneous moment is often the most compelling.

《破解密码》是一种具体的、文本驱动的表演方法，它为最重要的表演提供了一个背景，基于一种分析戏剧和确定角色行为的方式。学生将表演当代戏剧和改编的场景。对演员和导演都开放。

那些根植于莎士比亚表演传统的演员们发现自己拥有一套技能，使他们能够成功地在各种文本和一系列的表演形式中工作。这门课的目标是学习识别、个性化和体现莎士比亚语言的结构元素，将其作为赋予人物生命的主要手段。学生们将学习莎士比亚戏剧的一个有代表性的圆弧，以及十四行诗。

表演和音乐故事可以改变我们的社区，远远超出发生的房间。从主流的百老汇巨作到亲密的前卫实验，创造性的表演具有团结、鼓舞和治愈的力量。我们如何利用我们的创造力来面对我们周围世界的挑战性问题?通过表演技巧、音乐剧、案例研究和研究我们自己的想法，我们将发现在校园内外创建社区的新方法。

在这门理论和实践课上，学生将学习主要表演方法的社会历史背景，如布莱希特、迈耶霍尔德、斯坦尼斯拉夫斯基、斯特拉·阿德勒和哈根，然后参加这些方法的研讨会。通过一系列练习和各种表演技巧，学生将探索戏剧中表演、创造性表达和合作的基本要素。这些练习将包括声音和身体热身、放松、注意力集中、感官意识、倾听、沟通、团队合作和自发性。参与者将学习各种方法来创造一个角色，并通过声音、身体和想象来表达一个人的情感。技能将发展为一个整体的创造，并与人、物体和地方的关系工作。最终，通过课堂现场展示，表演学生将努力传达重要的故事、想法、情感和发人深思的问题，这些问题反映或挑战了人性。我们可以从他们的作品中学习的一些剧作家包括:萨拉·鲁尔、特丽莎·雷贝克、玛丽亚·艾琳·福恩斯、苏珊·洛里·帕克斯、让·保罗·萨特、尤金·艾里斯科、年轻的简·李、乔斯林·比奥、布兰登·雅各布斯-詹金斯、托丽·桑普森、查理·埃文·辛普森、塞缪尔·贝克特、奥斯卡·王尔德、让·热内、林恩·诺塔奇、卡托里·霍尔、阿托尔·富加德、约翰·卡尼、乔斯林·比奥和杰基·西布莱斯·德鲁里。

我们将用各种风格的流行音乐、戏剧音乐、歌舞表演和原创作品的歌曲来探索演员的表演，强调与观众的沟通和材料的选择。动态的声音解释和风格也将被检查。学生每周在课堂上表演新的或回归的材料，并与音乐总监安排课外时间来安排和排练他们的材料。选修这门课程的学生也有优先安排在音乐项目的教师的声乐课程和注册亚历山大技术班或他们选择的其他运动课程。

这种以剧本为基础的表演方法源于基尔罗伊夫妇的作品和目标，“一群剧作家……他们走到一起，不再谈论戏剧中的性别平等，而是开始采取行动。”表演专业的学生将表演由女性、酷儿和跨性别作家以各种风格创作的特定场景。学生还将学习戏剧的大背景，观看电影和纪录片，阅读和讨论有关戏剧对塑造我们世界的事件的反应的文章和戏剧。《基罗伊斯》讲述的是看待戏剧的一种方式:“我们制造麻烦。和戏剧。”出演基罗伊家族对任何身份的演员都开放。

本课程将向学生介绍舞台和银幕亲密训练的语言、过程和最佳实践。课程将每周举行一次，在此期间，学生将参与术语和理论的讨论，学习接近场景工作或本质上亲密的材料的基础知识，并合作模拟艺术场景，在那里可以制定和评估最佳实践。学期结束时，学生将通过文本、场景或分解练习解决亲密关系编舞挑战的方法。

3D戏剧是一种揭示艺术家、素材/主题和制作时刻之间联系的机制，并生成反映这种独特融合的形式。在本课程中，学生将围绕他们实践的中心问题/兴趣、他们的目的感以及他们与观众的关系创建一份艺术家陈述。每个学生将选择一份原始材料，使他或她能够从三维角度探索这些问题和关系。课程将分为理论阅读/讨论和工作室工作，每个学生将创建一系列的表演迭代。在第一学期，我们将使用Andrew Simonet的过程创建艺术家声明从以艺术家的身份生活和雅克·兰西埃的《解放的旁观者》思考艺术家与观众的关系。Ideas-Arrangements-Effects，由社会干预设计工作室设计，将用来创建一个框架来讨论和处理工作室工作。在工作室里，我们将通过声音、光线、投影、服装、物体、文本和任务等跨学科的工作，努力使“新一代的想法具有操作性”(理查德·福尔曼)。在第二学期，学生将在选择阅读材料和领导与自己的研究相关的理论文本的讨论方面承担更多的责任，以产生更大的理解，并创建一个艺术家社区，他们可以通过合作、倾听和建设性的批评来支持和挑战彼此。

本课程探讨合奏和合作创作表演创作的历史、方法和未来，重点关注数字和后互联网时代的新技能和概念。在对历史设计公司、艺术家、概念和策略的概述之后，我们将开发在实验室环境中使用数字和后互联网表现的正式方面创作作品的技能集和框架。其中包括数字时间框架;化身和双重事件;恐怖谷中的具象策略和表征策略分期数字工具、接口和结构;互联互通、政治和经济方面;post-internet物质性;以及使用代码来生成和控制文本的表现和创建。

本课程将探讨当代剧作家的作品。学生将选择两个剧本，我们将用第一学期的时间准备这些作品。每个学生都可以选择表演、导演或设计。演员将定义他们的角色的旅程，发展形象，潜台词和角色的历史。导演和设计师将使用视觉艺术、视频、草图和其他书面文本来发展他们的个人概念。所有的学生将研究并改编他们选择的剧本。我们将沉浸在这些戏剧的世界中，体验一个戏剧艺术家如何为戏剧创作做好充分准备。第二学期将专注于表演和制作。导演和设计师将选择戏剧的部分，我们将与演员一起演出。我们将在年底排练并设计一个实习作品。 The plays will be chosen from current American playwrights, such as Brandon Jacobs-Jenkins, Annie Baker, Lynn Nott age, David Admit, Anne Washburn, Sarah Ruhl, Samuel Hunter, Satori Hall. Adam Rap, and Robert Asking. These writers have all created “bold works that have set the scene for 21st-century actors, giving voice to the modern experience,” according to《纽约时报》．他们是当今美国戏剧的重要组成部分，在塑造和发展演员、导演和设计师的作品方面具有影响力。

这个全面的、循序渐进的课程专注于发展年轻演员需要的技能和工具，以便在快节奏的电影和电视世界中工作，同时也学习如何编写、导演、编辑和制作他/她自己的银幕作品。第一学期的重点是银幕表演和镜头试镜(当面和录音)。通过密集的场景研究和剧本分析，我们将扩大每个演员的情感，智力，身体和声音的表达范围的镜头。重点还将放在演员所需的技术技能上，以在“框架内”提供最强的表演，同时保持高水平的自发性和真实性。学生将表演电影和电视剧本中指定的和自己选择的场景。临近期末时，重点将转向镜头前试镜，学生们将学习现场试镜和自录镜头试镜的注意事项。在第二学期，学生将学习电影制作的基础知识，使他们能够在不受大量预算和工作人员限制的情况下创作自己的作品。课程将涵盖编剧、摄影、导演和编辑的基本知识，以及每周的写作、阅读、观看和拍摄作业。学生将带着编辑过的作业录像结束课程，并明确下一步的步骤。对于这门课程，学生必须有自己的或可以访问的iPhone、iPad或其他相机和装有编辑软件的电脑(如iMovie、DaVinci Resolve、Final Cut Pro、Adobe Premiere)。

借鉴各种木偶戏技术和雅克·勒科克的实践，我们将探索和实验木偶戏和表演。在整个课程中，我们将合作小组创造木偶表演，包括建造木偶和设计作品，利用木偶和对象。我们将探索大型游行风格的木偶;木偶作为对象和材料;木偶表演空间;以及木偶师/表演者与木偶的角色/关系。

《Shosholoza》是一首代表南非团结的歌曲。历史上，约翰内斯堡的移民矿工们唱这首歌是为了振奋精神，保持工作节奏，在工作中取得进步。Shosholoza作为一种文化能指指向了协作过程的理念。Shosholoza以呼唤和回应的形式演唱，任何时候，它都会涉及和暗示房间里的任何人。这门课是关于学习如何成为富有同情心的合作者，在创作过程中给予和占有空间。学生将被分配任务，旨在培养工作空间的慷慨，同时开发，执行和设计的项目，在整个一年的小组。

本课程提出了一种独特的音乐剧制作方法，这种方法是在托尼/欧比奖音乐剧的制作过程中形成的，通过奇怪．这种方法将歌曲，而不是故事，视为节目生长的种子。学生们被教导要从他们的歌曲中编造故事，而不是把歌曲固定在一个已经存在的故事上。个人传记作为戏剧神话创作(与虚构小说相比)的来源材料的紧迫性也被强调，连同个人表演的结合和视频的使用。通过对歌曲创作过程的去神秘化，强调当下的创作，以保持学生的灵感和动力，更多的时间花在创作上，而不是听讲座。学校会定期给学生写歌的提示，并邀请他们从课堂上抽出时间来作曲。到学期末，学生们将根据自己写的歌曲创作出一场期末表演。学生将学习技巧，将歌曲创作的“魔力”转化为任何人都可以使用的一种反射性的交流行为，无论是否有歌曲创作经验。课程讲授歌曲创作的基础知识，并介绍各种音乐软件应用程序。

本课程是剧场声音设计的入门课程，探讨了声音理论、基本设计原理、编辑和播放软件、内容创作和基本系统设计。本课程考察了视频和声音在戏剧、舞蹈和跨学科形式中的功能和执行。在演奏软件中的采样、非线性编辑和设计序列的练习将为学生提供在演奏中执行声音设计所需的基本工具。

本课程是剧场视频设计的入门课程，探讨了声音理论、基本设计原理、编辑和播放软件、内容创作和基本系统设计。本课程考察了视频和声音在戏剧、舞蹈和跨学科形式中的功能和执行。在表演软件中的采样、非线性编辑和设计序列的练习将为学生提供在表演中执行投影设计所需的基本工具。

声音设计项目是一个会议类，以支持SLC制作的学期项目。教师将指导和指导学生通过设计和生产过程。我们会在生产期间每周开一次会。工作人员电话和技术访问也将安排在每个项目的基础上。

视频设计项目是一个会议类，以支持SLC制作的学期项目。教师将指导和指导学生通过设计和生产过程。我们会在生产期间每周开一次会。工作人员电话和技术访问也将安排在每个项目的基础上。

本课程介绍服装设计的基础知识，涵盖各种概念和思想:服装的语言、脚本分析、设计元素、色彩理论、时尚史和人物绘画。我们将研究各种理论设计项目，同时探索如何发展一个设计概念。本课程还包括各种设计室缝纫技术，以及衣柜技术员的基本职责。学生将熟悉服装商店和衣柜区域的所有各种工具和设备。学生还将有机会协助服装设计专业的学生制作服装，以加深他们对服装设计过程的理解。不需要之前的经验;欢迎各种类型的演员、导演、编舞、舞蹈家和戏剧制作人。

本课程扩展了《服装设计1》中提出的思想和概念，以磨练和提高学生现有的技能。学生将通过研究和实现各种理论设计项目的设计概念，进一步发展自己的设计和施工能力，并通过课堂讨论和演示，培养自己的沟通能力。学生还将有机会在服装设计专业学生的协助下为部门制作设计服装。这个设计机会允许一个独特的学习经验，因为学生与导演和创作团队合作，产生一个完全实现的戏剧作品。

本课程是为已经完成服装设计1和服装设计2课程，并希望通过研究和实现自己选择的特殊服装设计项目来进一步探索服装设计的任何方面的学生而设计的。

本课程将培养学生使用多媒体工具创作数字表演。我们将着眼于媒体设计的创造性应用，因为它涉及到视频捕捉和数字演示。通过探索各种数字工作流程，学生将获得实际操作经验，并准备好解决问题、排除故障和为数字表演进行创造性设计。通过参加这门课程，学生将创建一个具有媒体意识的戏剧制作者群体，他们致力于制作作品并支持他们的同龄人。本课程将通过数字表演的视角指导、解决问题并批判性地分析戏剧设计。学生将被期望为制作或他们自己的个人作品的季节设计工作。在这一年的课程中，学生将被要求参加额外的技术会议/排练和设计作品。

我将向学生介绍舞台照明的基本元素，包括工具和设备，色彩理论，设计元素的阅读脚本，照明控制台的操作和照明线索的构建，照明图纸和时间表的基本元素。学生将获得悬挂和调焦照明仪器的亲身经验，并受邀参加技术排练。他们将有机会设计产品，并协助其他设计师，以发展对设计过程的更深刻的理解。

照明设计II将在照明设计I中介绍的基础知识的基础上，帮助学生发展设计复杂产品的能力。课程主要集中在CAD和其他与灯光设计、脚本分析、高级控制台操作、与导演和其他设计师沟通相关的计算机程序。学生将被期望设计实际的作品和课堂项目，以供评估和讨论，并将有机会通过协助MacPherson先生和其他人来增加他们的设计经验。

本课程将探索各种木偶戏技术，包括文乐风格，牵线木偶，皮影戏和玩具剧院。我们将从通过个人和小组研究项目详细了解这些形式开始。学生将有机会发展他们的木偶操纵技巧，以及了解如何准备木偶演员的身体为表演。我们将通过实践学习各种施工技术来进一步探索。这门课将以他们自己制作的木偶戏作品的创作和展示达到高潮。

本课程是剧场景观设计的入门课程。学生将学习如何用全新的眼光看待世界，并运用想象力在舞台上创造戏剧世界。课程内容包括风景设计的基本思想和基本设计技术，如研究、绘图、比例模型制作等。我们将从小的练习项目开始，并在最后完成一个最终的设计项目。学生将在课堂上展示他们的大部分项目，然后由同学提问和评论。演讲和评论技巧在本课程中很重要。没有经验的学生，如果对戏剧制作的其他方面感兴趣，以及视觉艺术或建筑，将能够从基础学习。

这是一个会议课，以支持SLC的学期项目制作。教师将指导和指导学生通过设计和生产过程。我们会在生产期间每周开一次会。工作人员电话和技术访问也将安排在每个项目的基础上。本课程面向修过场景设计I、有景观设计经验或获得导师批准的学生。

Bertolt Brecht是一位社会活动家。他利用戏剧来影响变化。布莱希特的戏剧和技巧改变了我们看待戏剧和看待世界的方式。他的方法继续塑造导演分析文本、融合制作元素和创造动态戏剧作品的方式。布莱希特导演课是一门实践性的导演课，为导演们提供了一种源自布莱希特辩证戏剧理论的重要技巧和工作方式。学生们将使用布莱希特的戏剧，以及受他影响最深的当代戏剧大师的戏剧，如安娜·迪弗瑞·史密斯、苏珊·洛里-帕克斯、拉里·克莱默和莫伊塞斯·考夫曼等人的戏剧，在广阔的布莱希特模式的基础上，学习个性化的导演技巧。学生们将从选定的戏剧中导演场景，并创作和安装他们自己的原创作品。学生将在课堂上表演由同学指导的场景。本课程面向严肃的导演、演员、设计师、作家、诗人等，只要对发展一种植根于社会变革观点和渴望的工作方法感兴趣。

导演们将学习将书面文本赋予生命所必需的过程，以及与演员合作以专注和加强他们的表演所使用的方法和目标。现场作业和短剧将在课堂上表演，并对学生的作业进行分析和评价。常见的导演问题将被解决，导演将熟悉概念的过程，使他们能够创造性地思考。第二学期，学生们将自选一部短剧。工作坊对初学主任和任何感兴趣的学生开放。

导演是做什么的?我们如何扩大对方向的理解?导演:拓展的领域通过探索戏剧导演的责任、挑战和机会来解决这些问题。秋季学期的重点是指导剧本剧本的技巧，包括文本分析、合作、概念开发和舞台编排。春季学期将通过考虑各种艺术方法来扩展导演的角色，包括社会参与艺术、设计和集体产生的戏剧和讲座表演。在这一年中，学生将通过当代导演、艺术家和思想家从各种生活经历和学科中创作的读物和媒体来学习。学生将通过写作作业、演讲、现场工作和迭代的表演实验来实践和实验导演方法。学生们将在彼此的场景中表演，并在多个项目中合作。该课程以公正为基础的教学和社区驱动的护理为基础，旨在挑战和扩展指导表演的边界。

本课程将从导演戏剧的角度探讨社会参与艺术。在整个第一学期，学生将发展对SEA可能是什么样子的理解。阅读材料包括社会参与艺术教育作者:巴勃罗·赫尔格拉人造地狱克莱尔·毕晓普，社会工作香农·杰克逊，以及战术表现:严肃的游戏和社会运动L. M. Bogad著。我们将探索当代参与社会的艺术家以及他们创作作品的背景。例如，当我们学习Simone Leigh 's Free People 's Medical Clinic时，我们也会学习关于Blank Panthers、互助、美国医疗保健和执行护理的历史和理论文本。第二学期将专注于学生研究和项目开发。学生将深入研究，作为开发可能的SEA项目的第一步。学生将建立全面的阅读清单(与图书馆员和教师合作)，并开始发展研究实践。第二学期将有机会展示，促进对话，并回应彼此的想法。本课程有意不要求学生促进SEA项目，因为理解这项工作需要时间、有意义的关系和关心。在这一年中，我们将不断思考剧院、表演者和戏剧艺术如何与SEA的例子交叉和分离。

导演是做什么的?我们如何扩大对方向的理解?导演:拓展的领域通过探索戏剧导演的责任、挑战和机会来解决这些问题。秋季学期的重点是指导剧本剧本的技巧，包括文本分析、合作、概念开发和舞台编排。春季学期将通过考虑各种艺术方法来扩展导演的角色，包括社会参与艺术、设计和集体产生的戏剧和讲座表演。在这一年中，学生将通过当代导演、艺术家和思想家从各种生活经历和学科中创作的读物和媒体来学习。学生将通过写作作业、演讲、现场工作和迭代的表演实验来实践和实验导演方法。学生们将在彼此的场景中表演，并在多个项目中合作。该课程以公正为基础的教学和社区驱动的护理为基础，旨在挑战和扩展指导表演的边界。

已经完成了秋季导演班课程的导演可以继续他们的工作，为这门课导演他们自己选择的短剧。本课程附有会议;课堂作业和会议将用于支持排练和制作。

这门课程将专注于唤醒年轻的艺术家到人类声音的表达范围，以及发展更清晰的讲话和玩声音的复杂性。一个彻底的热身将被开发为力量，灵活性，和范围的演员的声音和讲话。将探索练习和文本工作，目的是在表演时将身体、呼吸、声音和讲话结合成一个有表现力的整体。

学生学习武装和非武装舞台格斗的基础知识，强调安全。演员们被教导如何以最低的风险创造出有效的舞台暴力，从扯头发、呛人到剑斗。将基本的技巧融入到短场景中，让学生体验在经典和现代背景下表演格斗。每个学期的高潮是技能水平测试，旨在认证八种武器形式中的一种。

本课程将探索通过编舞镜头来创造原创戏剧的方法，将其作为一种组合戏剧的各种积木(声音、图像、动作、语言、设计等)的方式，以及通过时间的影响和操纵。本学期将以结构化的提示和大部分在课堂上完成的作业开始，最终转入自我生成的合作项目，其中一些工作将在课外完成。这门课程的主要重点之一是试图通过开放的讨论，阐明一个人的创作过程和其中的选择。通过对所述练习的分析，学生将更清楚地了解彼此的工作和方法。学生将被要求创建运动序列、协作项目和其他研究，以遇到组装、并置、统一、框架、中断、解构和其他基于时间的艺术实践的使用方式。阅读内容包括一系列艺术家的宣言和选集、散文、来自世界各地的各种戏剧实践的节选以及视频例子。由于学生将在不同水平的身体工作，穿着宽松，舒适的衣服是被鼓励的。不需要舞蹈或动作经验;要在这门课程中找到价值，你只需要好奇心和愿意投入进去。

在秋季学期，这门课将探索演奏者的完整乐器;也就是人体。每节课都将以热身开始，鼓励用听的方法进行功能校准、呼吸和核心支持、运动努力等。通过大量使用即兴乐谱和策略，班级将建立一个合奏的动作语言，同时磨练个人，搭档和团队的动作技能。从一个人的身体中现成的东西和一个人的文化或生活经验的运动，这门课允许学生增强他们的动态范围，从大的，完整的身体，运动的动作到细微的和内部的运动体验。不需要运动背景或特殊的身体能力——只需要好奇心、幽默、温柔和勇气的健康结合。除了偶尔的阅读讲义，我们还将有机会观看与课程核心主题相关的专业戏剧和舞蹈表演节选。请穿宽松舒适的衣服。在春季学期，课程还将探索演奏者的完整乐器;也就是人体。 A daily warmup will open the body to larger movement ranges while introducing students to a better functioning alignment, efficient muscle and energy use, full breathing, clear weight transfer, and increased awareness while traveling through space. A combination of improvisation, contact improvisation, set phrases, and in-class assignments—creating short, movement-based pieces—will be used to explore a larger range of articulation that the body reveals regardless of the words spoken on stage. In all aspects, the goals of this class are to enable students to be courageous with their physical selves, more articulate with their bodies, and more personally expressive in performance. No movement background is required—just a healthy mix of curiosity and courage. In addition to occasional reading handouts, there will be opportunities to attend rehearsals and performances of professional theatre and dance in New York City. Please wear loose, comfortable clothing.

在这门课程中，我们将与当代实验戏剧文本一起探索、讨论和写作。与戏剧传统背道而驰、向外呈现新事物和陌生事物的，就是我们所认为的实验性的东西。在我们长达一年的旅程中，我们将遇到的实验领域包括:时间、背景、结构、人物、语言和体裁。实验在这样一个概念中找到了目的，即脱离戏剧惯例是为了改变观众对戏剧的反应和思考，这反过来又改变了观众对世界的感知和行为。我们将从每一部戏剧的外观、感觉和声音的角度来探索我们读过的戏剧的景观。我们将讨论这些戏剧的文化、历史和个人背景。我们将寻找这些背景可以启发和启发我们写作的方法。我们将使用指定的文本作为出发点，产生我们自己的实验工作，目的是到达一个不同的目的地。我们将从大脑的不同部位写作，从深刻的潜意识到敏锐的分析。我们将考虑一个独特的戏剧结构如何从所讲述的故事中有机地衍生出来。 And we’ll examine ways in which modern technology may assist, or hinder, our storytelling.

我们讲的故事有能力改变我们对周围世界和生活在其中的人的看法。非殖民化叙事是一种推翻殖民主义的行为，或者从广义上说，推翻历史上定义主流叙事的权力结构。在这门课程中，我们将探讨如何重新定义和颠覆主流戏剧中常见的原型和比喻。每周，我们将选择一个固定角色或传统叙事，写一个10分钟的剧本，挑战或颠覆传统叙事。在春季，我们将从秋季创作的短篇作品中选出一篇，并以此为灵感起草一篇长篇。我们会考虑我们希望观众是什么样的人;也就是说，我们在为谁的凝视而写作?我们假设观众知道什么，我们要解释什么?谁会认同我们的角色?当我们写一个我们不常在舞台上看到的角色时，我们需要提供戏剧上的理由吗? Reading assignments will include plays and other artistic material that challenges traditional narratives by using new forms and structure or in questioning conventional portrayals of people of the global majority, queer characters, the working class, Muslims, characters with disabilities, and more. Examples might include work by Jackie Sibblies Drury, Larissa FastHorse, Michael R. Jackson, Hannah Gadsby, Qui Nguyen, Rehana Lew Mirza, Maria Irene Fornes, Cori Thomas, Martyna Majok, and more.

艺术存在于我们每个人的内心。在这门课程中，我们将研究戏剧写作的基本原理，以及如何使用这些技巧原则来塑造我们需要讲述的故事。每周都会有写作挑战，以说明戏剧冲突和角色目标等概念，并激活您独特的艺术声音。我们将练习从无意识中写作，更多地关注过程而不是产品，从情感的诚实和真实的地方写作。在某些情况下，表演和即兴练习将与写作提示一起使用，以帮助我们获得创造性的想象力。我们还将研究如何使用工艺词汇给我们的同伴提供建设性的反馈，并提出战略性的问题，使我们也能得到有帮助的反馈。阅读作业将包括戏剧和各种其他形式的材料，作为例子，如何利用工艺来实现艺术家的愿景。在我们所有的工作中，我们将寻求跟随我们的想象力和创造冲动的激情和乐趣，同时也以严格的意图和纪律接近我们的写作练习。

在这个过程中，纯粹的创作冲动支配着舞台写作的过程——我们把自己写进了未知的领域。学生们被鼓励抛开已经接受的和先入为主的关于写戏剧或成为一个作家意味着什么，以及戏剧“应该”或“应该”是什么样子的想法，以找到他们自己真实的观察和创作的方式。换句话说，解除植根于最终产品概念的理性和判断思维，赋予混乱的、空间的、联想的过程以力量，使我们与直接的经验、印象和对现实的感知进行直接的正式接触。强调细节、质感和连续性将比更广泛接受的、可靠的、但有时限制了有意义的现场表演中亚里士多德的结构和连续性的美德更受青睐。阅读材料将根据学生的思维进行调整。我们可能会看到Gertrude Stein, George Steiner, Mac Wellman, Maria Irene Fornes, Adrienne Kennedy, Mircea Eliade, Kristen Kosmas, Richard Maxwell和Roland Barthes的理论和创造性著作，以及跨越视觉艺术领域的作品和物理学家David Bohm和F. David Peat的激进科学思想。本课程将以工作坊的方式进行，强调过程的跟踪和记录。

作为一个作家，你是谁?你写什么，为什么?你在写你写的剧本吗想要或者你写的剧本需要写作吗?无定形的、潜意识的材料源泉和将在现场观众面前实时演奏的形式的严格要求之间的联系在哪里?这门课程是为那些对戏剧结构有扎实知识，了解自己创作过程，并准备好创作一部完整的戏剧作品的学生设计的。(正如爱德华·阿尔比所说，“所有的戏剧都是完整的戏剧。”)学生可以自由选择自己的主题、主题和风格。每周将在课堂上大声朗读和讨论作业。这门课程要求学生进入课程时，至少要对他们计划进行的戏剧有一个想法;理想情况下，他们会带来他们希望修改的部分或完整的草案。如果时间允许，我们将阅读一些已有的课文。

你将探索如何释放你的创作过程的奥秘，同时也将发现戏剧结构的基本原理，这将帮助你讲述你的戏剧故事。第一学期的每个星期，你们都要写一段取材于剧作家的年代指南，我们将使用它作为基本文本。在第一学期结束时，你们将根据这些短作业中的一个写一个简短但完整的剧本。在第二学期，你们将根据自己的选择改编一个短篇故事，然后根据历史人物、事件或时期写一个剧本。在所有的例子中，重点都是作者与素材最深层的联系——戏剧所在之处。作业将在课堂上大声朗读，并每周在课堂上讨论。学生们还将阅读和讨论反映他们作业中挑战的戏剧。

DownStage是一个密集的、亲身参与的戏剧制作会议。台下的学生制片人管理和经营他们自己的戏剧公司。他们负责制作的所有方面，包括决定预算和营销整个赛季的活动和制作。学生制片人被期望填补各种职位，包括技术和艺术，并担任一个运行的戏剧组织的董事会成员。除了他们的义务和指定的制作，下舞台制片人预计将保持正常的办公时间。不要求有生产经验。

这门课程是一门实践性的实验课程，内容涉及技能、实践和态度，帮助舞台管理人员组织一个环境，使戏剧团队能够在最小的压力下高效地合作。课堂练习和讨论增加了分配给每个学生的指导生产工作。剧本分析、分块表示法、道具管理和线索写作/调用都是涵盖的主题。舞台管理的知识和实践是导演的必备工具，也是演员和设计师的有益补充。

这是一个舞台工作的课程，重点是光板和声板操作和投影技术的螺母和螺栓，以及基本的舞台木工的使用。这不是一门设计课程，而是一门关于阅读和绘制灯光图、组装和故障排除以及基本电气维修的课程。选修这门课程的学生将有资格在戏剧系担任额外的带薪技术助理工作。

这是一门每周必修的课程，学生们可以在周六午餐盒戏剧项目中分享他们的戏剧和创作技能。课程实验室将探索为6至18岁儿童创建和发展跨学科教学课程。通过这个与午餐盒剧院直接相连的每周实验室，学生将获得儿童发展原则、课程计划技能和课堂管理策略的洞察力。通过探究和反思，学生将拓展他们的批判性思维过程，同时也将使用适合多种学习类型和层次的实用教学方法和技术。

艺术家是变革的真正建筑师，而不是事后实施变革的政治立法者。既非巴勒斯

本课程探索了创造性、协作性和跨学科的结构，将戏剧扩展到我们的社区，为新接触和有兴趣发展公民参与实践的学生提供帮助。这门课程面向演员、作家、设计师、搬运工和舞台管理人员开放。该实践将探索创造戏剧形式、创作过程，以及通过制作、实践和构建跨学科、共享的戏剧词汇与学习和社区建设的联系。课程工作培养反思、对话、参与、领导、促进和课程建设技能。学生将有一个公民参与安置在一个地区的学校，课外项目，或SLC午餐盒剧院项目。社区安置通常长达一年，通常以一个以过程为中心的非正式演示为高潮，该演示反映了个体参与者的兴趣、故事和经验。课程项目探讨了在社区参与项目中很有价值的参与性、协作性技术。

本课程将探索，扩展，并将戏剧制作技能带到社区。需要有兴趣探索个人表达材料和扩展和发展技能。本课程着重于成功的、以过程为中心的目标和经过验证的社区建设技术和原则。我们将研究当代社会政治和艺术问题在社区工作中的应用。课堂阅读和讨论将回顾关于戏剧创作的理论和实践应用，以及艺术家作为社会变革和社会公正的推动者在社区中工作的政治角色。这门课程面向那些想要通过社会政治的视角来探索个人材料的学生，那些有兴趣通过分享戏剧技巧来对我们这个时代的疯狂政治做出回应的学生，无论他们能做什么，无论大小。这门课程向有影响力的人、剧作家、演员、设计师和视觉艺术家开放。学生将举行一个公民参与安置:SLC午餐盒剧院，一个地区学校，一个课后项目，一个老年中心，或一个青年社区中心。课程项目可能包括:在公共场所表演，为老年人举办音乐歌舞表演，制作特定地点的视频，记录社区口述历史，或社区范围的论坛。教育家约翰·保罗·莱德拉赫要求艺术家与“道德想象”联系在一起——即能够“立足于此时此地，面对所有的暴力和不公，同时仍在想象并朝着一个更积极生活的世界努力”。

因此，我认为教育是一个生活的过程，而不是为未来生活做准备。-约翰杜威

这个每周会议课程，为具有广泛社区经验的研究生和本科生，探索实践教学艺术家的经验观点，通过每周、一年的社区安置发展教学技能和技巧。本课程探索教学理论和跨学科戏剧课程之间的联系和交叉，从而导致变革实践。课程阅读将探索保罗·弗莱雷、m·c·理查兹、贝尔·胡克斯和其他人的作品。本课程延续了成功的以过程为中心的目标，以及成立已久的SLC剧院外展计划中经过验证的社区建设技术和原则。

有一次在排练时，一位剧作家说:“我只是觉得这是本剧最立体主义的时刻。”房间里的每个人都沉默了下来，变得越来越不自在。因为，她到底是什么意思?我们不是早就该知道了吗?这个互动讲座课程调查整个历史上的美学运动，并教你跟踪他们对你的工作的影响。每一个乐章背后的思想都是通过它们发生的历史时刻和它们在视觉艺术、音乐、建筑和表演学科中的正式表现进行研究的。然后，每个学生将自己的作品置于形式美学话语的更广泛的背景中——定位隐藏的影响，有意识地、有目的地进行随后发现的政治共鸣。鼓励学生们找到方法，承认自己的工作对世界的影响所承担的责任，并开始自信地使用“后现代主义”和“未来主义”等术语。

它是一个发现的圣殿，使演员能够探索非西方的运动:集中精力、专注力、声音和角色的“神话”，以发现自己与文本的关系，当代和经典的真相。表演技巧的传统和替代方法都被应用。秋季学期主要关注的角色有:哈姆雷特、里昂提斯、卡利班、奥赛罗、李尔王、麦克白、理查三世、赫库巴、美狄亚、安提戈涅、安妮夫人、塔玛拉、波西亚、麦克白夫人;应用于契诃夫、易卜生、阿拉巴尔、贝克特、艾里斯科、萨拉·凯恩、阿米拉·巴拉卡、爱德华·阿尔比和让·热内的作品的场景研究。必读:表演的艺术斯特拉·阿德勒。

本研讨会/工作坊课程探讨戏剧在我们的文化中所扮演的更重要的角色，特别是戏剧如何回应塑造我们生活的事件和运动——即使它们已经发生。当我们从一个改变生活的事件跳到下一个时，戏剧提供了一个独特的棱镜——一种挑战认知、摒弃既定形式、创造新范式的观察世界的方式。《危机模式》探讨了戏剧在21世纪的相关性。戏剧重要吗?表格用完了吗?还是说，现在比以往任何时候都更需要剧院能明显提供什么?戏剧的场景和部分将在课堂上大声朗读。学生将讨论纪录片和电影，并创作个人或团体表演作品，在每学期结束时在课堂上展示。讨论的主题从20世纪中期的戏剧艺术家如布莱希特和贝克特的影响和创新到政治戏剧公司如Teatro Campesino的遗产。我们将研究宣传道具和快闪戏剧的独特价值，并研究当代戏剧创作者和艺术家的作品和变形技巧，如Anna Deavere Smith、Young Jean Lee、Aleshea Harris、Hilary Bettis、Branden Jacobs-Jenkins、Tony Kushner、Dominque Morriseau和Quiara Alegria Hudes，以及酷儿、女性和跨性别戏剧创作者。 Crisis Mode is open to actors, directors, designers, playwrights, and those interested in looking at theatre as both discourse and a means of social activism.

每周的班级会议将分析和讨论作品，并定期参观许多当季的戏剧作品。该班将在三州地区旅行，在尽可能多的不同场所、形式和风格的剧院观看。已经出版的戏剧在观看演出之前会进行研究;新的或无脚本的作品之前，作者或公司将检查以前的作品。学生在购票时可以享受所有团体折扣。

学生们将选择一些动作练习课程，以及即兴表演和舞蹈的学术学习，这些课程一起构成一年级的舞蹈学习课程。(有关组件类的描述，请参阅课程目录。)学生们每天都会在工作室里跳舞。整个秋季学期，我们还将每周在舞蹈项目一年级研究中碰面，深入挖掘我们在舞蹈课上所做的工作。我们将研究的一些问题包括:舞蹈在不同的文化和社会中扮演了什么角色，无论是现在还是过去?舞蹈是如何与其他艺术形式和其他研究领域相互作用的?舞蹈的要素是什么?舞蹈能做什么，我们能用舞蹈做什么?我们将通过阅读和讨论，以及通过舞蹈实验和制作舞蹈来检验这些问题和其他问题。学生们还将在整个秋季学期每周举行一次个人会议，在春季学期每两周举行一次会议，根据自己的特殊兴趣和在课堂上探索的材料开发自己的项目。

这门课首先要仔细阅读爱丽丝·沃克2010年的诗集，艰难时期需要激情的舞蹈作为一个入口，运动可以传达多层次的意义和复杂性，以及这些层次的意义是如何将我们作为个人和集体动员起来的。认识到定义舞蹈、舞蹈和运动显然有无限的可能性，我们将考虑一系列具体的参考作为原型:舞台表演、公共/政治示威，以及在自然和人为设置中作为理所当然的事情发生的日常编排。除了爱丽丝·沃克的作品之外，来自舞蹈、表演、文学批评、女权主义、科幻小说、文化研究、民族生态学和行动主义等领域的文本，以及现场和记录的表演事件(正式和非正式)的例子，将为全年的阅读、观看、思考、交谈和写作提供灵感。我们将呼吁所有与会者的历史和观点来阐明这些材料，并将它们翻译成我们自己的话。课堂活动将包括阅读、写作、讨论和可操作的动作练习。每个学生将从一个或多个课堂活动中进行独立研究，包括阅读、写作和演示。对于将这门课程作为常规研讨会的学生来说，会议工作可以建立在课堂独立研究的基础上，也可以配置为单独的项目。这门课程的目的是扩展我们对运动和舞蹈作为存在的基本方面的认识;发掘该研究的内在理论潜力;并将新的见解融入到我们的阅读、思考、对话和写作实践中。

在这些课程中，重点将放在与每位教师的技术和审美取向相关的运动技能、能量使用、力量和发音的稳定发展上。在所有层次上，都将注意提高每个学生对时间和精力的意识，并根据健全的解剖学原则进行有节奏、精确的训练。移动模式的复杂程度在分级类结构中是不同的。所有学生将研究感官体验和表演的各种要求。

动作和舞蹈是生命的明确标志!在每一种环境和每一种存在的层次上，从单细胞生物到整个种群，舞蹈是生物与生俱来的。这里的目标是唤醒/重新唤醒学生与运动的联系，作为人类经验和学习的基本模式。本课程向学生介绍一些舞蹈的基本原理，以及为舞蹈做准备的策略。为广泛的动作研究建立基本技能，重点是学习动作，并在各种模式和风格中精炼个人、搭档和团队的表现。基本的解剖信息被用来帮助理解动态排列和运动电位。在协调、节奏、范围和动态质量方面的挑战被系统地参与，让学生在舞蹈设置中获得力量、灵活性、耐力、平衡、乐感和意识。虽然主要强调的是学习结构化的材料，但结合了即兴创作和作曲，以支持学生越来越多地参与舞蹈作为一种艺术形式。

各级芭蕾学生将被指导在他们的舞蹈中实现创造性和表达的自由，增强这种形式定义的轻松、优雅、音乐性和对称性的品质。我们将探讨对齐，强调解剖学原理;我们将培养如何利用适当的神经肌肉力量进行有效运动的意识;我们将协调身体、思想和精神的各个方面，使它们和谐地融合在一起。

这个为期一年的课程将使用身体体现作为一种学习和理解非洲散居文化的模式。除了身体练习，由被视为非洲散居侨民舞蹈和音乐领域大师的艺术家和教师领导的大师班，以及辅助学习材料，将用于探索非洲散居侨民舞蹈的广度、多样性、历史和技术。非洲海地人、西非人、奥丽莎舞(Lucumi，非洲古巴人)和交际舞是一些流派将被探索。参加年终展览将为学生提供在表演环境中应用研究的机会。

这是一门开放水平的课程，旨在教学和促进街舞/城市舞技术和表演的实践，课程将考察街舞的理论、技术和词汇。该课程将促进学生执行和表演街舞/城市舞步骤的能力和发展。

这门瑜伽课是考虑到舞者和戏剧学生的兴趣而设计的。各种类型的姿势将被练习，注意对齐，呼吸意识，力量和灵活性。身体练习包括坐姿和站姿、扭转、前屈和后屈、传统的瑜伽呼吸练习和短时间的冥想。强调专注力和存在感。这种方法可以让学生获得减轻压力的工具，解决不支持的习惯，并将其带入生活的其他方面。注意力将被给予脉轮系统作为姿势、运动和角色选择的手段和隐喻。教员有舞蹈和物体戏剧的背景，除了各种基于身体的实践，她利用设计课程，以满足班级成员的个人需求。虚拟出勤是必须的。

学生将被介绍到传统的中国实践太极拳和气功。这些练习涉及缓慢的、深思熟虑的动作，专注于呼吸、冥想练习和姿势，以恢复和平衡能量——气或气。这些姿势一起流动，创造出连续运动的优美舞蹈。太极拳和气功在中国传统文化中是终身的、全面的自我修炼的基础练习，有时被称为软武术或内武术之一。这门课程对舞蹈、戏剧和任何其他对发现身体和动作练习的替代方法感到好奇和感兴趣的学生开放。

本课程是通过LEIMAY的Ludus实践的镜头来介绍butoh，这是今天由LEIMAY艺术总监Ximena Garnica教授的具体化研究。舞踏是日本的一种表演艺术形式，由登方达美(Tatsumi Hijikata)在上世纪五六十年代创造。课程将从Hijikata的butoh-fu开始介绍，这是一种通过文字将意象具象化的舞蹈方法。随后，课程将扩展到LEIMAY的Ludus实践，使用多种物理探索来体现图像和扩大意识状态，实现多个感知领域，同时挑战欧洲中心的身体、空间和时间概念。每位舞者的身体潜能将被培养，以发展一种独特的动作语言，这种语言根植于步踏的转变思想。同时，我们将专注于通过识别身体自身重量与重力的关系来调节导电体，同时培养内部节律和流动性。我们将一起去中心化以自我为中心的运动方法，探索“被跳舞”而不是“我跳舞”的可能性，“成为空间身体”而不是占据空间的可能性。我们将挑战我们身体的物质性，通过倾听非人类的节奏和纹理来激活我们的感官。我们将用不可能作为火花，丰富我们创造和居住世界的方式。本课程基于Ximena近二十年来对舞踏的研究所发展出的原则。 Historical and cultural context will be offered throughout the course.

无论什么时候我们做东西，我们都是在即兴创作——边做边做。但是想象力和创造力不是随机的。的确，所有学科的艺术家都有灵光乍现的时刻，但那些“顿悟”的时刻来自于那些涉及实验、策略、观察和决策的实践，这些实践都得到了专注状态的支持。同样，“完美形式”和“自由即兴”的概念在理论上都是不可能的。没有什么是完全固定的，也没有什么是完全开放的。无论我们从事何种创造性的努力，我们总是在现实世界中，在这两个极端之间的空间中。在本课程中，我们将实时制作具有不同程度和类型的确定性的舞蹈。我们会被各种各样的关注和关注我们选择的方式所引导，但会始终意识到我们正在实时编排舞蹈。这需要磨练我们的感知技能，以及与合作者的表达和沟通技能。在这一年里，我们将发展我们的能力，建立连贯的结构来指导我们的选择，并注意和利用机会带来的意外发现。 This component is open to students with prior experience in improvisation and dance-making, as well as to those new to the form.

本课程是一个实验实验室，旨在让学生接触当代舞蹈创作的各种不同的声音和方法。每个客座艺术家将领导三到七个课程模块。这些小型工作坊将向学生介绍艺术家和他/她的创作过程。嘉宾将呈现新兴的，以及既定的，当代艺术实践的声音和广泛的方法。

在本课程中，对基于时间的艺术创作(包括现场表演)有特殊兴趣和经验的毕业生和高年级本科生将设计和指导个人项目。学生和教师将每周聚会，在周二晚上的课堂上和周四下午的会议上观看正在进行的作品，并讨论相关的艺术和实践问题。跨艺术努力的多个学科的作品属性将作为作品中不可分割和相互依存的元素进行讨论。参与有指导的，与你的同伴的关键反应反馈会议是这门课程的一个关键方面。在现场表演中与时间媒介的接触，在作品中和共享活动中展示作品的限制，以及尊重教室和舞蹈工作室的展示空间的需要，都将是对学生艺术提议的限制。本课程欢迎任何数量的现场表演传统的学生，也欢迎那些寻求打破传统的学生。虽然所有的作品都以某种方式与具体的动作有关，但学生的提案并不需要完全符合构成舞蹈的传统概念。培养跨越传统学科艺术边界的开放话语，无论是在作品开发过程中，还是在向公众展示的背景下，都是本课程的中心目标。教授这门课程的教师有舞蹈实践的基础，但也在他们自己的创造性工作中实践了广泛的舞蹈定义。本课程将在学期末与所有注册学生共享的项目中完成作品的表演，并在冬春艺术活动的背景下进行。 Performances of the works will take place in the Bessie Schönberg Dance Theatre or elsewhere on campus in the case of site-specific work.

表演项目是一个组成部分，访问的艺术家或公司被邀请与学生一起创作一个作品或设置一个现有的编排。这些作品将在学期末为学院社区表演。

这部分将为学生提供机会演奏来自世界各地的全套打击乐器:非洲djembes，巴西zurdos，阿根廷bombo，秘鲁cajon和quijada，印度手鼓，传统陷阱，等等。学生也将能够编程和执行电子鼓，如Wavedrum和Handsonic。该课程的重点将是提高舞蹈家对音乐的全面了解，同时也将扩大编舞、演员和作曲家的词汇量。该部分的目的是授予学生所需的工具，以充分沉浸在对音乐、舞蹈和表演艺术的关系的理解中。学生将扩展他们在术语和执行方面的知识，并能学习记数法的基本原理。我们将从知识和文化的角度分析音乐的相互作用。我们将学习如何扫描不同复杂程度的乐谱，并探索随着时间和不同地理和社会条件而发展的不同节奏风格。课程将由小组游戏组成。所有的仪器都将提供并提供给练习。

我们怎么可能以无数种方式移动呢?通过结合运动练习、绘画、讲座和解决问题的功能解剖学研究，学习发展你对运动中的人类的x光视觉。在这门课程中，运动是一种强大的载体，可以详细地体验我们适应性极强的肌肉骨骼解剖结构。我们将学习艾琳·多德的螺旋-全面的舞蹈热身/冷却，协调所有关节和肌肉的最大范围的运动，促进整个肌肉骨骼系统的研究。除了动作练习之外，绘画也是每周讲座的一部分(提供绘画材料)，每学期还将提交三个短作业。在这门课程中培养的洞察力和技巧可以在动作创作和构成的过程中提供巨大的灵感。

这是一个在SLC舞蹈项目中完成了一整年解剖学学习的学生进行更深入的功能解剖学研究的机会。在班会期间与导师进行公开咨询，每个学生都参与独立的研究，开发一条或多条探究线，利用功能解剖学的视角和文本作为组织框架。近年来的研究课题包括运动和经验学习的研究，开发一种独特的热身序列来解决特定的个人技术问题，探索运动经验及其语言表达，膝关节解剖的详细研究，膝关节损伤的运动学和康复研究。课程每两周开一次会，讨论报告、写作和展示研究的进展、问题和方法，交替进行每周的工作室/实践课，进行个人和/或小组研究咨询。

光是一种电磁辐射，它能让我们看到东西。光的质量及其与空间的相互作用对体验的影响有着深远的影响。我们都知道，盛夏午后的感觉与阴天、灰蒙蒙的午后、地铁车厢、日落或满月之夜的感觉是不一样的。什么样的光会产生这些不同的感觉?制作光线的艺术和实践是这个组件的主题。我们将在多种情况下研究光的理论和实践方面。首先要注意我们通常会忽略的东西。从那里，我们将接近学习如何工艺条件的主要，虽然不是唯一的，在戏剧环境中的光。了解戏剧的历史惯例，特别是美国戏剧舞蹈的惯例，将为我们提供一个起点，让我们开始超越这些历史惯例来思考问题。重点是学习基本的灯光技巧，包括舞台技巧。 Students will collaborate with, and create original lighting designs for, the Time-Based Art works when such needs are appropriate to the artistic proposal.

这个高级动画和实验媒体的集体是为寻求从事独立研究项目或在这些学科的实地工作获得学分的学生准备的。小组首先每周开会，制定项目的指导方针和时间表;然后，这门课将成为汇报项目发展和/或实习进展的聚集地。每周会议为研究、开发和合作援助提供了一个框架，以实现一个先进的项目，该项目可能以短片或实习中的专业经验的形式出现。在一个由电影制作和运动图像艺术学院领导的团队的带领下，学生将在注册期间接受面试，以评估他们提出的项目或研究。随着学期的进展，每周的集体结构将根据个别项目/小组的需要进行调整。这个集体向有经验的动画和实验媒体学生开放;个人和小组项目都被邀请申请到班级。感兴趣的学生应该准备好提交项目计划书或已经获得的实习机会。

对任何编剧来说，改编技巧都是一个重要的加分项。世界上一些最受欢迎的电影和电视节目都是根据已有的素材改编的。小说、短篇小说、漫画、戏剧、文章、个人简介、历史事件、诗歌，甚至绘画都被搬上了银幕。在这个工作坊/研讨会上，我们将关注短片的剧本改编。学生将学习如何将一个故事/素材分解成一个引人入胜的剧本的基本组成部分。我们将阅读、观看和讨论基于已有材料的各种剧本、短片、特稿和电视剧。学生将学习一个有效的剧本改编的具体步骤。前几周将复习基本的剧本写作基础(例如，故事结构、对话、角色发展、格式)，以及每周的写作练习和观看/阅读作业。然后学生们会找到适应的材料。学生将在课堂上推介、提纲并撰写一个短片改编(最多15页)和一个更长的项目(30页)作为会议项目。 Scripts will be read and discussed in class, using a structured feedback paradigm.

剧本几乎是每一部电影、电视剧或网络连续剧的出发点。大多数我们喜爱的电影和电视节目都是从一个作家和一个想法开始的。针对初级编剧，本课程将专注于视觉叙事的基础——故事、结构、风格、角色发展、对话、大纲和格式。在秋季学期，每周都会有写作提示。作业将在课堂上阅读和讨论，使用结构化的反馈范例。此外，学生每周都会被安排观看和阅读作业，以加强他们的剧本分析技能。在春季学期，学生们将进行宣传、提纲，然后写一到两个原创短片或开始写一个长片剧本。总的来说，本课程旨在帮助初学编剧的人建立一个编剧工具箱，并帮助他们找到自己的艺术声音。

雅典、伦敦、巴黎、柏林、纽约……西方戏剧的历史总是与城市、政治、习俗、地理和观众联系在一起。这门课程将追踪戏剧的故事，它起源于公元前5世纪的雅典，并在后来的城市中演变成不同的表达和实践，所有这些城市都被视为文明的“首都”。戏剧是教化了吗，还是仅仅是某种特定文明的反映，这种文明的文化假设决定了它的价值观和风格?鉴于古希腊民主在民众对酒神狄俄尼索斯的赞美中诞生了悲剧和喜剧——这是世俗与神圣的特殊结合——当这些类型在伊丽莎白时代伦敦的肮脏街区、路易十四优雅的宫廷、魏玛时代柏林的啤酒厅和百老汇霓虹灯般的“宫殿”中反复出现时会发生什么?有时，新形式的试验或刻意安排在不熟悉的地方的表演，会对这些流派本身构成挑战。像欧里庇得斯、布莱希特和莎拉·凯恩这样的剧作家，通过对观众的期望或他们聚集的地方进行修补，是否破坏了文明规范?我们的工作以希腊戏剧为基础，我们将通过对每个城市的戏剧进行一系列按时间顺序的调查来解决这些问题:第一学期是雅典和伦敦;其次是巴黎、柏林和纽约。

戏剧产生于社会仪式;作为一种公共活动，戏剧需要人们在共享的、有界限的物理空间中为一个共同的目标而共同努力。然而，“性格”这个概念，首先表现在古希腊主人公那不可磨灭的面具上，矛盾地指向了精神、吸引力和个性化的尝试。因此，我们看到了美狄亚、哈姆雷特和塔尔图夫等众多戏剧人物，他们的面孔是我们所熟悉的，他们不仅向我们诉说着他们自己的矛盾，而且还诉说着某种普遍的、永恒的东西。然而，在19世纪，工业革命、激进的资本主义、帝国主义、达尔文主义、社会主义革命、女权主义、心理学的新科学，以及宗教对人类灵魂本质的明确程度的下降——所有这些，以及其他社会因素——迫使人们思考个人身份是否有意义，甚至是否存在。极度“客观”的挪威自我放逐者亨里克·易卜生和不可知论的俄罗斯医生安东·契诃夫，用戏剧——最具社会意义的艺术——来挑战他们的时代，考察关于身份的假设，它对社会建构的依赖，以及难以解决的自我意识之谜。通过对奥古斯特·威尔逊(August Wilson)的研究，我们将看到我们从他们身上学到的东西是如何装备我们自己的，或者是没有装备我们自己的。威尔逊是20世纪自学成才的非裔美国人，他的戏剧代表了美国种族主义对“角色”的影响，既无耻又阴险。

本课程将探索20世纪意大利文学，重点关注帮助塑造意大利文学的重要知识分子、作品和运动，以及他们与艺术、电影和整个社会的联系。到1860年，意大利已成为一个统一的国家，其文学作品涉及(国家和个人)认同、传统、创新和现代、文学和作家的角色，以及意大利社会中女性角色的变化等问题。我们将探讨意大利文学与重要历史事件之间的相互关系——如大战、法西斯的兴衰、第二次世界大战、抵抗运动、共和国的诞生、战后的经济繁荣、60年代和70年代的学生和妇女运动、“Anni di Piombo”的恐怖主义——直到最近移民文学对意大利文学经典的贡献。在作家和知识分子中，我们将探讨西比拉·阿拉莫对本世纪初女性解放问题的文学处理;路易吉·皮兰德娄和他作为小说家和剧作家的作品;Gabriele D 'Annunzio是诗人、剧作家和小说家，也是战争英雄和政治家;f·t·马里内蒂(F. T. Marinetti)，他的未来主义宣言和文学作品反映了他希望复兴意大利艺术、文学和文化的愿望;B.墨索里尼的法西斯政权，它的命令，及其对宣传文学和电影的影响;伊格纳齐奥·西隆关于法西斯时代的小说;罗伯托·罗西里尼的新现实主义电影; Italo Calvino’s, Beppe Fenoglio’s, and Elio Vittorini’s literature of the Resistance; Primo Levi’s depiction of The Holocaust; and women writers such as Anna Banti, Natalia Ginzburg, Elsa Morante, and Dacia Maraini. Readings will be supplemented by secondary source material that will help outline the social, historical, and political context in which these authors lived and wrote, as well as provide a relevant critical framework for the study of their works. On occasion, we will watch films that are relevant to the topics and period in question. No previous knowledge of Italian is required. Students proficient in Italian may opt to read sources in the original language and write their conference projects in Italian. Conference topics may include the study of a particular author, literary text, or topic relevant to the course and that might be of interest to the student.

我们可以把文学看作是一个民族的良知，反思他们的起源、他们的价值、他们的损失和他们的可能性。本课程将研究撒哈拉以南非洲作家接受文化形成和批评挑战的主要代表性文本。现代非洲最好的作品之所以具有美学力量，部分原因在于其任务的政治紧迫性:过去仍与现在息息相关，未来还有待书写，而作家要说的内容足以让他们的作品被认为是危险的。因此，在他们的作品中，政治问题和审美问题是密不可分的。土著语言和欧洲语言之间，传统的演讲形式和讲故事的形式和自觉的“文学”形式之间的创作紧张关系，记录了殖民后期和后殖民历史的所有压力和冲突。为了辨别现代非洲写作的传统主义来源，我们将首先阅读史诗、民间故事和其他形式的演讲作品中的例子。主要小说将从图托奥拉、阿奇比、贝蒂、森贝尼、巴、海德、恩古吉、拉古玛、丹加雷姆巴和萨罗维瓦的作品中选出;来自索因卡和艾都作品的戏剧;桑戈尔、拉贝利维洛、奥基博、奥科特·普比泰克、布鲁图斯、马潘杰等人的诗歌。会议工作可能包括我们在课堂上一起学习的作品、作者和体裁的进一步、更深入的工作; aspects of literary theory, particularly aspects of postcolonial and womanist theory relevant to readings of African literature; or readings of more recent writers out of Africa whose work draws on and develops the “classical” works that will be the foundation of our work together.

创作过程是矛盾的。它涉及自由和自发性，但需要专业知识和辛勤工作。创造过程是自我表达的，但当创造者忘记自我时往往最容易展开。创作的过程带来了快乐，但也充满了恐惧、挫折甚至恐惧。创造过程本身就是一种奖励，但它依赖于社会的支持和鼓励。在这门课上，我们将探讨不同的思想家是如何将创造过程概念化的——主要是在艺术领域，但在其他领域也有。我们看到各种心理学理论家如何描述这个过程，它的来源，它的动机，它在特定领域或技能的根源，它的文化背景，以及它在个人生活中的发展历史。我们将考虑的思想家有弗洛伊德、荣格、阿恩海姆、富兰克林和加德纳。不同的理论家强调这一过程的不同方面。特别是，我们看到，一些思想家强调坚持不懈的工作和专业知识是必不可少的特征，而另一些人则强调精神自由的需要，以“让它发生”，并推测当创造性的人“放手”时会出现什么。 Still others identify cultural context or biological factors as critical. To concretize theoretical approaches, we look at how various ideas can contribute to understanding specific creative people and their work. In particular, we will consider works written by or about Picasso, Woolf, Welty, Darwin, and some contemporary artists and writers. Though creativity is most frequently explored in individuals, we also consider group improvisation in music and theatre. Some past conference projects have involved interviewing people engaged in creative work. Others consisted of library studies centering on the life and work of a particular creative person. Some students chose to do fieldwork at the Early Childhood Center and focus on an aspect of creative activity in young children.

就像身体一样，雕塑总是在某个地方。可移动的或固定的，永久的或短暂的，雕塑作品与它所体验的空间是不可分割的——一个我们也居住的空间。在整个学期中，本课程的学生将逐步参与到与物体、空间和场地的复杂互动中。我们的第一个网站将是一张纸“对话”与合作伙伴的工作。课程结束时，学生将与一个特定的场所进行独立构思的互动(广义地认为“场所”是作品“驻留”的地方)。在整个展览过程中，我们将看到艺术史上不同的“装置”例子，以及一系列艺术家和场地之间关系的文本。我们将至少去一次纽约的博物馆和画廊。我们还将讨论记录的过程和可能性(通过摄影、视频、写作，甚至是演讲)作为生活和工作经验的一部分。

自20世纪初以来，艺术家们探索行为艺术作为一种激进的表达方式。行为艺术在形式和功能上都突破了当代艺术的边界。通过这种表达形式，艺术家们创作了关于身体和性别、性和种族政治的有力作品。这门课程调查了行为艺术作为一种多孔的、跨学科的媒介，向所有学科的学生开放，包括绘画、绘画、版画、摄影、雕塑、视频、电影制作、戏剧、舞蹈、音乐、创意写作和数字艺术。学生将学习行为艺术的历史，并探索一些用于创作表演作品的概念和美学策略。学生将借鉴历史和批评文本、艺术家的作品、视频放映和幻灯片讲座，使用一系列简单的提示来帮助塑造他们自己的表演。本课程调查的艺术家和艺术运动包括达达、意外、Fluxus、维也纳行动主义、Gutai团体、Act-Up、Joseph Beuys、Judson Church、Ana Mendieta、Gina Pane、Helio Oiticica、Jack Smith、Leigh Bowery、Rachel Rosenthal、Jo Spence、Chris Burden、Vito Acconci、Bas Jan Ader、Terry Adkins和独狼独奏团、Carolee Schneemann、Martha Wilson、Adrian Piper、Martha Rosler、Lorraine O’grady、Joan Jonas、Karen Finley、Janine Antoni、Patty Chang、Papo Colo、Paul McCarthy、马修·巴尼，罗恩·阿塞，奥兰，吉列尔莫·戈麦斯·佩纳，纳西斯姐姐，安妮·撒洛尔，维尔达维斯，克里斯·格雷，卡洛斯·马蒂尔，秋天骑士，阿曼达·阿尔菲里，亨尼西·扬曼，萨凡纳·努普，肖恩·莱昂纳多，弗朗西斯·阿里斯，安德烈亚·弗雷泽，塔尼亚·布鲁格拉，张欢，里贾纳·何塞·加林多，阿基·萨本，教皇。L，还有很多。

本课程旨在为有兴趣更深入地追求自己的艺术创作实践的高年级学生设计，并在春季学期举办个人展览。支持学生在绘画、素描、雕塑、视频、摄影、声音、新流派、表演等方面创作作品。学生将保持自己的工作室空间，并将被期望独立和创造性地工作，挑战自己和他们的同龄人，探索新的思考和制作方式。在这一年的课程中，学生们将专注于自己的艺术创作实践，并将被期望发展出一个严格的独立作品体系，在春季学期的展览中展出，并附带一本记录展览的印刷书籍。我们将定期与到访的艺术家和我们视觉艺术项目的教师进行评论，同时还将举行阅读、图像讨论和参观画廊和艺术家工作室的活动。我们将参加视觉艺术系列讲座。你的艺术创作实践将被补充到展示你的作品的其他方面——写一份艺术家声明，采访同行的艺术家，记录你的艺术——以及一系列的专业实践研讨会。这将是一门沉浸式工作室课程，旨在为有兴趣在跨学科环境中进行工作的纪律严整的艺术学生。

这个FYS课程的第一学期将专注于文字和图片，它的中心镜头是故事:如何发现它们，讲述它们，并让你的听众，观众或读者与你一起。课程包括添加视觉元素，摄影，绘画，粘贴，拼贴，动画，动漫。我们将阅读并制作以下几本:一本集体漫画小说，一些儿童读物，带插图的成人读物，插图手稿，漫画。你的会议工作将是你选择的一个项目的完成版本。第二学期的课程将以章节为单位:一个持续的故事的片段沿着一个线索，但每一章节可能有不同的主角;或者是一个画框，里面装着许多人的故事;或者从一个时间，一个地点，一组人物到另一个。我们将引入并讨论我们在书、电视、播客中喜欢的剧集。我们会先做练习，直到我们有了感兴趣的东西，然后开始我们的会议工作，大约有六集。在这两个学期，我们每隔一周都会有一次额外的会议来讨论任何出现的问题:论文写作、社会问题、食物、拖延症。 These sessions may be led by the professor, outside speakers, or a rotating group of students.

这门课包括读故事，讲故事，写或记录故事，用照片或图画说明故事。它包括成为我们周围故事的收集者，并分析它的形式、用途和乐趣。它包括口头和书面叙事，正式和非正式，短和长，幻想，故事和八卦。它还包括在佩勒姆附近的沃特堡老年护理住宅(Wartburg Elder Care Residence)练习成为故事小组的领导者和成员。这门课将安排三个小时，包括一个往返于沃特堡的团体旅行，在那里我们将与居民聚集在一起，或被给予或选择一个提示，准备我们的故事，并分享它们。家庭作业将包括阅读、与同学一起作为作者/插画家合作，并邀请家人和朋友讲述他们的故事。任何对自己或他人的生活感兴趣的人，对领导和追随感兴趣的人，对教学感兴趣的人，以及对故事感兴趣的人都应该考虑这门课程。

这一学期的工作坊将冒险到意想不到的虚构领域:梦的叙述，荒谬的情况提供了实事，不可怕的鬼故事，投机小说，和艺术作品，逃避理解，但把你带到深刻和愉快的边缘的理解。为了让我们从更平淡和安全的小说形式中解脱出来，本学期我们将以一系列的练习开始，这些练习的灵感来自加夫列尔·加西亚·马尔克斯、弗朗茨·卡夫卡、弗吉尼亚·伍尔夫、博尔赫斯、纳博科夫、乔治·桑德斯、卡门·玛丽亚·马查多和奥克塔维亚·巴特勒等作家的故事，以及卡尔·荣格、伊曼努尔·康德和查尔斯·巴克斯特的文章。你将从阅读材料和练习中生成你的会议作业，在课堂和会议上通过仔细的评论来发展它，在初步的研讨会上提交初稿，最后，在学期末的一系列正式研讨会上提交你最好的作业。

在这个一学期的小说写作工作坊中，你将熟悉小说的基本元素，如观点、人物、情节和结构、对话和阐述、细节和场景。我们将研究这些被广泛的艺术大师作家付诸实践的元素:牙买加·金凯德、唐纳德·巴塞尔姆、ZZ·帕克、詹姆斯·鲍德温、雷蒙德·卡弗和吉娜·比罗特等人。我们还将熟悉与小说创作工艺和想象过程相关的概念，如对位人物塑造、陌生化、叙事紧迫性等。本课程的核心是学生作为小说作家的自身发展。我们有很多的乐趣，尝试了许多练习和方法的故事。首先，我们会在会议上密切合作，开发你的剧本，然后在小组中讨论你的初稿。你们要负责撰写对彼此故事的评论，也要认真而积极地参与研讨班的讨论。在本学期结束前，你们每个人至少要为我们的工作坊讨论提交一个最终发展的故事。

纳博科夫说，一个作家可以从三个角度来看待:一个讲故事的人，一个老师，或者一个魔术师。这三种我们都会考虑，但这个工作坊最专注的是迷人的艺术。我们将讲述写故事的过程。故事从何而来?我们怎么知道我们什么时候准备好开始呢?我们如何避免屈服于安全的和非原创的决定，并学会认识和信任我们更神秘和有希望的冲动?我们的角色如何引导工作?我们如何知道一个结局，又如何赢得这个结局?最后，我们如何创造必要的魅力，以小说最有能力的方式吸引、说服和感动读者。我们的课程将通过阅读、讨论和大量的练习来研究小说的技巧。 In the second semester, we move on to explore dream narratives, the sublime, the absurd, and the fantastic. We study a democratically chosen novel and, possibly, graphic fiction and a film. Our objective is for you to write, revise, and workshop at least one fully developed story each semester.

我们每周将读一本诗集，其中既有20世纪末的作品，也有近期的作品。我们将重点关注具有强烈声音感的诗人。我们每节课用一半的时间讨论每周阅读，另一半时间讨论学生作业。学期结束时，学生将上交一份诗歌作品集，每首诗至少有两份早期草稿。除了课堂上的阅读和写作，学生将有两个主要的会议项目。在春假前，每位学生都将以戏剧的形式呈现一位已故诗人的诗歌。这不仅仅是记忆和背诵一首诗;更确切地说，它是你对一首诗如此了解，以至于你能把它说出来，就好像歌词是从你自己口中蹦出来的。本学期晚些时候，学生们将在校园里选择一个地点，然后在那个特定的地点戏剧性地呈现他们自己的一首诗。这两个会议项目将需要额外的排练时间超出课堂时间。 Think of the additional effort to be like group conferences, every other week.

当代诗人面临着各种令人眼花缭乱的文体选择。本课程旨在为学生提供现代诗学实践的基础，并鼓励学生创新。我们会看观点，语调，意象，诗行，格律和诗节形式。我们将研究自由诗、当代实验习语、十四行诗、加扎尔诗和俳句背后的艺术思维。我们将阅读具有广泛基础的大师，如伊丽莎白·毕晓普和格温多林·布鲁克斯，同时代的泰伦斯·海耶斯和优素福·库穆尼亚卡，以及来自截然不同文化的诗人。我们将探讨非裔美国人诗歌古籍，20世纪美国诗歌潘昆选集(丽塔鸽子),当代世界诗歌古籍，企鹅的十四行诗散文诗、寓言、谚语、歌词等。我们将讨论作为实践者如何阅读诗歌——如何看到和听到书上的内容。强烈的，一贯的重点将放在学生自己的诗歌上。班级成员将被鼓励寻找自己的道路;阅读作业通常是单独的。本课程部分为人文工作坊，部分为写作社群，部分为批判性探究。期望自由地写作，贪婪地阅读。这门课程对任何致力于诗歌的人开放。

一首真正的诗是无法改写的。用明亮而有趣的语言，一首诗似乎包含着不可言说的东西。这是一个奇迹。我们怎么做呢?在这门课程中，我们将沉浸在诗歌艺术的实践中，每周关注诗歌艺术的一个特定方面:意象、隐喻、措辞、句法、音乐性、音调等。我们将每周写一首诗，读一些诗来指导和激励我们。(诗人斯宾塞·里斯称诗集为“神圣的手提箱”——你可以把它们带到任何地方。)我们会读彼此的诗。我们将阅读诗人写的散文。我们将把观察记录在日记里。 We will look at visual art, listen to music, watch films. If you have never taken a poetry class before, this class is for you. If you have taken poetry classes before, this workshop is for you. I ask for generosity of spirit, curiosity, respect, and commitment. We form a community of artists and, within that community, find support and strength. We will have a wonderful time.